Análisis: Fever de Bullet For My Vallentine (2010)

Los últimos dias del año, estos dias que miramos todo lo que hemos logrado y lo que nos ha ocurrido. Con esta meta hoy os analizo un disco que ha salido este año. En este caso nos dirigimos a la banda Bullet For My Valentine, reconocida banda de Gales que se caracteriza pos su estilo heavy y metalcore y que es parte de las generaciones nuevas de rock pesado.

Con su tercer disco de estudio al mercado después de Scream Aim Fire, veamos como se desarrolla el nuevo material que hoy os presento. Pero lo mas interesante que os puedo transmitir hoy es si se muestra una faceta innovadora en su música.

Análisis

Bullet For My Valentine – Begging For Mercy

Mirando por encima el disco tiene un sonido muy potente con riffs de acordes bastante gruesos y mucho retumbe. Melódicamente da mas vocalmente, sección en la que se va desde chillidos criminales hasta partes cantadas con una entonación mas melodiosa. En este disco vemos un fondo potentón con mezcla de canciones mas dicharacheras y otras igualmente durillas pero sin tanto taladro y con mas chicha. Siendo objetivos, el sonido del disco para un seguidor normal de este género puede gustar.

Bullet For My Valentine – Your Betrayal

La guitarra nos ofrece momentos de introducciones de canciones con punteos a dedo de notas agudas que dan una sensación de velocidad muy notoria como silas notas fueran cayendo rápidamente. Melódicamente, construye partes que son muy potentes pero que en ningun momento me han parecido el colmo de la innovación y la inspiración, pero logra seguir la tónica marcada por el género. Con el apartado de solos de guitarra podemos ver solos bastante técnicos pero no muy pronunciados en el tiempo (no duran mucho) ni por muy espectaculares que sean me haran pensar en nada nuevo.

Bullet For My Valentine – Alone

La parte de bateria es una contribución clara a que el disco suene mas contundente, mas rápido y mas matón. Mucho pedal para solucionar el fondo de las canciones. Como ya sabemos el pedal es un recurso muy típico para hacer que se doblen el número de golpes que escuchamos de la batería y para hacer una percusión mas definida. Aunque noto un trabajo bastante durillo de tocar la batería, si sólo sonara este instrumento no sabría definir la canción que escucho. Por lo tanto es una sección de ritmo pero que no le da mucha personalidad a las canciones.

Bullet For My Valentine – The Last Fight

La parte cantada ya os la he definido un poco al principio del repaso, es una mezcla de chillido y canto. Creo que veo la intención de intentar acojonar el oyente pero que con las partes mas cantadas no lo logran. Lo bueno que ha tenido el disco es darle algunoas canciones al cantante para que sea su voz mas relajada y no se necesiten tantos coros y capas de voz repetidas. Igualmente no me da del todo la impresión que veamos al 100% la pureza de la voz del cantante. Todo y eso no se muestra nada negativo en este aspecto.

Bullet For My Valentine – A Place Where You Belong

Conclusiones

Fever, es un disco con un sonido bastante acertado para los seguidores del estilo metalcore pero que no creo que aporte nada nuevo al sector. Instrumentalmente exprime los instrumentos mas por la intensidad de las melodías que por desarrollar todo el potencial de cada uno, haciendo un rock mas físico en sus canciones mas duras. Lo bueno de este disco es que consigue sonar bien que es lo que al fin y al cabo puede interesar a los fans pero no arriesga en ampliar el abanico sonoro, cosa menos agradecida por los que somos cazadores de música fresca.

EXTRA: Bullet For My Valentine – Fever (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Exclamation (Bueno)

 

Análisis clásico: A Night At The Opera de Queen (1975)

Último análisis de la SEMANA AZUL. Hoy estrenamos a Queen en el blog, que ya tocaba después de discos y mas discos. Esta banda es sin ninguna duda una de las mas grandes de los últimos 40 años y ha marcado un par de generaciones. Hasta a dia de hoy es una de las bandas de las cuales sus canciones forman parte de la cultura popular.

Pues hagamosle un homenaje como se merece a esta banda a través del análisis de uno de sus discos. Y no hablo de un disco cualquiera, pero eso ya lo veremos a medida que os analice como se desarrolla musicalmente. Por lo tanto parad bien las orejas y atentos que llega Queen dispuesto a dar leña.

Análisis

Queen – Death On Two Legs (Dedicated To…)

En terminos generales estamos delante una obra de rock grandilocuente y como dice el nombre operística. El conjunto quiere ser refinado pero no por eso poco contundente, algo que realmente mezclado que por complejo que pueda parecer tiene una formula básica que es unir grandes artistas con un poco de psicodélia y una resolución con solos bonitos y poderosos, por lo tanto hacer que algo que en principio es desordenado de forma genial.

Queen – You Are My Best Friend

Técnicamente primero hablaré de Freddie Mercury, a mi parecer el mejor cantante que he tenido el honor de analizar, incluso por encima de orgásmico y bestial Robert Plant. Su forma de elaborar vocalmente las canciones, en la práctica, directamente es la perfección en todos los sentidos. En este disco, notamos la suavidad particular y la poética de su cantar, los coros que hacen todos los integrantes de la banda y unos agudos del dios Mercury que parece su voz no sufrir para nada.

Una maravilla. A parte su forma de tocar el piano con gran destreza hace que este disco gane mas sentido del que ya por si tiene, es un relleno y a la vez no. Ejecutado con gracia y estilo es otro nivel de rock, en el que importa que se exprima sonoramente cada canción hasta dar de si un diamante pulido

Queen – Love Of My Life

Respecto a Brian May en la guitarra sólo puedo decir cosas positivas ya que sigue perfectamente una linea que da dramatismo a las canciones. Sus intervenciones sirven para o hacer llorar la canción o darle energia, para mitificarla o complicarla. Suena como una guitarra electrica, tiene aspecto de guitarra eléctrica (vale, es una guitarra eléctrica) pero supera eso y hace que las canciones puedan hasta tener un aspecto de leyenda medieval de cuento fantástico. No toca la guitarra como se hace normalmente sino que la impregna de belleza.

Queen – I’m In Love With My Car

¿Pero quien canta esta canción que no es Mercury? Pues Roger Taylor, baterista de la banda y como veis un hombre con auténticos dotes para el cante. Pero con la batería transmite la majestuosidad de cada linea de letra de este disco que es poesía pura. Su fuerte creo yo, es el toque de plato, ya que no he visto aun a nadie que logre hacer con los platos un sonido tan suave, refinado y escurridizo. En discos anteriores se nota que le gusta resolver redobles con un toque de plato o platillos, algo muy elegante.

Queen – Bohemian Rhapsody

Hablo de John Deacon y luego de esta canción. Deacon como bajista con el paso de los años se ha visto que aunque no va `por excesivas complejidades es absolutamente efectivo a la hora de dar la base del sonido y como describía alguna vez, la espesa capa de humo que hay debajo toda canción que es la base de como suena.

Luego hablando de la canción, pues sabemos los que nos interesamos por los rankings de las mejores canciones que esta últimamente se ha considerado la mejor de nuestros tiempos que es mucho decir. Lograr lo que logra esta canción que desorbita energia por todos los lados y junta generos distintos de forma tan excelsa es normal que se considere tan digna de mención.

Conclusiones

Grande, grande es lo que se para en manos con este album que ya ha cumplido 35 años y que sigue siendo considerado una pieza clave para la banda y un destacable de la década sin duda. Ya se que direis que en los últimos análisis me he pasado dando la calificación de obra maestra a muchos discos y realmente creo que la SEMANA AZUL era mi forma de saldar el deuta que tenía con discos que les guardo un gran cariño. Espero que hayais disfrutado de este evento y seguimos próximamente con mas análisis.

EXTRA: Queen – Who Wants To Live Forever (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Arrow (Obra maestra) 

Análisis clásico: Rust In Peace de Megadeth (1990)

FelizNavidad a todos, espero que esteis disfrutando bastante en compañía osolitario de estas fiestas (aunque la verdad, pa que engañarnos no soynada crédulo de estas cosas). Ya es el tercer disco de Megadeth que mededico a analizar en este blog y casi siempre ha supuesto un éxito a lahora de venir a ver que hay de un disco u otro de la banda.

Pero en definitiva mi modesto regalo de Navidad enmedio de la SEMANA AZUL, es esta valoración a uno de los grandes aclamados dentro del heavy yno hablo de la banda solamente, ya que el disco como vereis tienefuelle para ganarse una muy admirable reputación en el sector musical.A 20 años de su creación, celebremos como es debido su glorioso legado.

Análisis

Megadeth – Holy Wars…The Punishment Due

Por mucho que le quiera dar emoción al asunto girando el orden delas canciones, no me puedo resistir a poner esta canción como laprimera. Sencillamente es una intro épica a un disco que te canea a lobruto. Desde el primer momento notamos el puñetero término llamadoTHRASH en nuestro cerebro con unas velocidades de locura que si eres unnovato absoluto en instrumentos no te puedes permitir por ahora nisoñar en esto. Es algo salvaje, como un ácido y asi todo el disco. Porcierto a partir del minuto 4:39 es una pasada, pero en el 5:21 es unamonstruosidad ¡¡HELL YEAH!!

Megadeth – Rust In Peace…Polaris

Después de mi momento troll (disculpen las molestias, el redactor yase ha tomado la medicación) voy a hablar de la parte melódica decuerda, o sea, la guitarra. En este caso guitarras porquenunca se puedeinfravalorar que Dave Mustaine y Marty Friedman se dejan el pellejohaciendo unos riffs realmente chungos, con escalas o con punteoscombinados muy rápidos. Luego llega la parte de los solos que es dondepara un heavy es la mayor satisfacción del mundo tener una melenazabien larga para hacerla rodar a lo loco. El nivel técnico es altísimo einaccesible para muchos.

Megadeth – Tornado Of Souls

La parte vocal como no, característica de Dave Mustaine es muy nasaly cabreada. Unas canciones cantadas seguramente con mucha pasión y conganas de machacar la cabeza a alguien (ejem…Metallica…ejem). Peropor mucho que se quiera infravalorar por parte de algunos la voz deMustaine lo parte. A parte ha sabido crear unas letras de canciones detemática bastante política y bélica, cosa normal en Megadeth. A parteque a la política y la guerra son las que mas ganas da de apalear a losque la organizan la verdad.

Megadeth – Take No Prisoners

TAKE NO PRISONERS!!!TAKE NO SHIT!! Con la batería la verdad se puedehacer una mención aparte de la agilidad con la que se mueve lasbaquetas en este disco y como los pedales (porque tienen que ser 2)suenan como ametralladoras. Nick Menza en este disco se eleva al nivelde divinidad de la percusión, lo que diria yo llega a nivel jabugo,jabugo de ese de que alguna baqueta tiene que haber partido porquetiene que cansar de forma soberana tocar de esta forma y mas encanciones que pueden llegar a los 7 minutos.

Megadeth – Dawn Patrol

El bajo de Dave Ellefson también esta on fire todo el disco ya quetambién sigue la barbaridad de ritmos que casi de forma cruel vanejecutando los demas integrantes de la banda. Pero el tio no sedespeina y sigue en canciones como en Take No Prisoners a los demas ypor momentos se luce cosa bárbara. Se nota que hay técnica y grancapacidad de relleno rítmico con el bajo.

Megadeth – Hangar 18

"Sentimos mucho informarles que el analista no puede hacer un análisis objetivo de esta canción" ¡¡¡UOOOOO!!! "Les recomendamos que escuchen la canción y luego lean directamente las conclusiones, gracias por la paciencia" .

Conclusiones

En definitiva, todo esto y mucho mas es el disco de Megadeth.Velocidad, fuerza, cabreo y otra triple ración de velocidad queenloquecera a los que amamos el heavy metal. Sin ninguna duda, este esel mejor disco que ha sacado Megadeth y lógico que lo celebren tienetodos los ingredientes que un thrasher puede pedir. Pero sobretodo esuna forma de llevar los instrumentos hasta extremos casi impensables.Bueno antes de llenar el post con mas calificativos cierrop mi sesiónmusical de hoy. Disfrutad de estos dias.

EXTRA: Megadeth – In My Darkest Hour (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Arrow (Obra maestra)

Análisis clásico: The Joshua Tree de U2 (1987)

En esta SEMANA AZUL de análisis sorpresa he decidido añadir un disco que no es de heavy ni rock potente, sino una pieza musical que merece mención especial entre todas las obras que os he mostrado. U2 a dia de hoy como ya sabeis es una banda reconocidíssima y aunque creo que a medida que han pasado los años han bajado el nivel, dejaron en su tiempo discos muy significativos.

U2 con este disco ya llevaban 5 discos en el mercado y su imagen de música era rompedora. Hablar de esta banda era la imagen del pop/rock mas innovador, por eso aun a dia de hoy sus canciones no se han quedado nada anticuadas en estilo incluso son un ejemplo que tendrían que seguir muchos de los que ahora quieren hacer algo digno. Bueno, a por el disco.

Análisis

U2 – I Still Haven’t Found What I’m Looking For

Desde el primer momento el disco te transmite una magia especial, como una especie de hechizo que encandila como el sonido del mar al estar en una playa (en verano ¿eh? que ahora te pelas de frio). Melódicamente tiene su forma especial de fluir, de forma incomprensible pero muy bonita. La lastima es que le tengo que ir haciendo recortes para no alargarme demasiado analizando, pero igualmente me gustaría que notarais ese feeling que tiene.

U2 – One Tree Hill

Al ser un disco cn su propia forma de fluir, no tiene problemas en poner canciones mas conceptuales, entre el pop/rock que ofrece. Estas canciones tienen una forma melódica no muy comvencional pero consiguen que nuestras orejas se sigan deleitando porque por mucho que experimente o se arriesgue siempre lo hace con sonidos agradables. Consecuentemente hasta las canciones menos conocidas del disco suenan realmente bien y consiguen hacerte sentir bien (esa sensación placentera y atemporal que tiene la música).

U2 – Where The Streets Have No Name

Por el otro lado, pues nos encontramos las canciones mas conocidas del disco que tienen el nivel de himnos. Dentro de la tranquila espiritualidad que rije en todo el disco hay canciones que tienen una solemnidad innata y que por eso han conseguido la fama que han tenido. A parte, son canciones que tratan de cosas distintas, de lugares especiales, de la busqueda personal o del ya famoso con o sin ti. Letras que a la par de bonitas son reflexivas en nuestra condición de personas con una vida plagada de la estresante normalidad.

U2 – In God’s Country

La parte instrumental y vocal las defino en un solo parrafo. Todo el conjunto suena genial, Bono con su particular voz y su pose consiguen canciones suaves y dulzonas (no azucaradas). Edge en la guitarra creo que es el que mas experimenta sonoramente con ritmos atípicos pero bien construidos, con una configuración sonora de guitarra muy particular que después se ha querido copiar hasta la saciedad. Rítmicamente Adam Clayton y Larry Mullen Jr. en bajo y batería respectivamente ayudan a Edge con los ritmos complejos o progresivos.

U2 – With Or Without You

Conclusiones

"Esto es One Tree Hill"

Igual que el arbol de Josué (Joshua Tree) es un arbol milenario y paciente, este disco es tranquilo y reflexivo, pero a la vez experimenta sonoramente como si tubiera la experiencia de siglos de música. No necesita grandes tecnicismos para ser valorado como lo es este disco y aunque guarda detallitos por aqui o por alla, no pretende complicaciones sino un viaje musical placentero e imaginativo. Una obra atemporal y la primera gran obra maestra de U2.

EXTRA: U2 – New Year’s Day (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Arrow (Obra maestra)

Análisis clásico: Appetite For Destruction de Guns N’ Roses (1987)

Otra sorpresa que os tenía guardada para esta SEMANA AZUL es este disco de Guns N’ Roses. Como ya sabemos todos los rockeros, Guns N’ Roses es ya todo una institución del sector heavy que se inició a mediados de los 80 y que sacó este disco ya sumamente conocido en 1987 para hacer su debut con un disco de estudio.

Vayamos ahora con las canciones y a hacer un análisis en profundidad de lo que da musicalmente este disco que ha pasado a los lares de la historia de los headbangers como una joya. Bueno no me alargo mas con las presentaciones vayamos al turrón

Análisis

Guns N’ Roses – Mr. Brownstone

Siempre me ha encantado Mr. Brownstone y es el ejemplo perfecto de un riff escalonado muy adictivo que si lo sabes tocar con la guitarra es la muestra perfecta para chulear con con los amigos de tus dotes con la guitarra. Luego hay el solo que es para definirlo de alguna forma travieso y divertido. Pues definiendose de esta forma las canciones, podemos encontrar desde la melodía mas matona hasta la mas sentimental. Un abanico bien amplio de posibilidades para generar grandes canciones.

Guns N’ Roses – Paradise City

Con Slash cada punteo de guitarra es como un granito de arte que se reune y envasa en canciones. Su arte es durante la canción dar energia a chorros y casi vida propia sin necesidad de usar casi efectos. Puede estar durante toda la canción medio escondido detrás de la voz de Axl Rose y en un momento dado despegar a lo bestia con escalas arriba y abajo como un loco, se nota que sabe cuando le toca salir a hacer algo. Podemos definir a Slash como un guitarrista el cual su guitarra es como una parte de su cuerpo, todo un espectaculo.

Guns N’ Roses – It’s So Easy

El otro que pinta, Axl Rose. Un vocalista que la mayoría de sus canciones las hace con su agudo especial aunque el tio tiene voz de machote cuando quiere. Pero se ha de admitir que es un gran cantante que le pone un extremo sentimiento a las canciones, ya que su voz es solemne y muy limpia. A parte el tio es el que se encarga de escribir la mayoría de veces las letras de las canciones, por lo tanto se las acopla totalmente a su gusto y descarga bien su potencial para hacer de ellas una opera.

Guns N’ Roses – Welcome To The Jungle

La batería no es demasiado compleja aunque tiene su buen feeling. Puede que el instrumento se vea encumbrado entre los renombres del cantante o el guitarrista pero el trabajo es mas que aceptable. Los ritmos son sencillos con algun repunte con los platos que es el sonido mas destacable entre los que emite la batería. Nos es un golpe contundente sino harmonizador de la canción por lo tanto dista un poco del thrash metal que vemos con unas baterías que parten nueces y rompen platos.

Guns N’ Roses – Sweet Child O’Mine

Conclusiones

Hablamos de un disco que en muchos sentidos encumbra el sentido del heavy metal. Una voz derrochadora, una guitarra técnica pero a la vez original, unos ritmos no muy complejos pero eficaces, unas letras de temática variopinta…. Hay razones para que este disco sea constantemente aclamado como uno de los mejores del género ya que GN’R es una banda particular que pone su estilo. Lástima que la banda se despedazara y este ahora en un momento bastante gris, pero siempre quedará en la memoria esa época.

EXTRA: Guns N’ Roses – Don’t Cry (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Arrow (Obra maestra)

Análisis clásico: Far Beyond Driven de Pantera (1994)

Hola amigotes del blog, hoy doy comienzo a la SEMANA AZUL, dedicada a discos de heavy de high level y caña matusera, que si es con discos de color azul mejor que mejor. Para empezar esta primera edición de la semana azul, damos la bienvenida a uno de mis discos favoritos de metal, Far Beyond Driven. 

Aunque sea uno de mis favoritos procuré tratar el disco con la imparcialidad que merece. Pero eso no significa que le vaya a tirar piedras ni nada por el estilo, sólo faltaría eso. Pero si que no me pondre troll en analizarlo. Poniendonos en situación en 1994, Pantera ya había lanzado su renacimiento (después de 4 discos de power metal), Cowboys From Hell y su obra maestra, Vulgar Display Of Power. La intención, seguir la estela de Groove que habían elaborado y endurecerla un poco mas.

Análisis

Pantera – Strenght Beyond Strenght

Esta es la primera canción del disco y ya machaca de esta forma, demuestra que es un disco con menos concesiones que lo visto antes. Rítmicamente vemos algo realmente parecido a los riffs fugaces de Slayer y que machacan con mala ostia. Y esa es una arma de doble filo, consigue cautivar a los mas headbangers pero puede parecer demasiado para los heavys mas clásicos. Por lo tanto en las canciones rápidas sube un paso en velocidad, baja uno melódicamente y como he dicho puede ser un riesgo.

Pantera – I’m Broken

Pasando a otro plano del disco no encontramos con canciones mas contundentes y menos rápidas pero feroces. Vocalmente sigue la linea que Phil Anselmo ha llevado en los dos discos anteriores pero con un extra de berridos que son echarle mas rabia a unas letras que ya de por si son destructoras. Pero una cosa que tengo clara es que Anselmo a medida que pasan los años y los discos le pone mas acidez en su voz y que diria que con el disco siguiente, The Great Southern Trendkill encumbra. Se elimina la belleza, hasta en la que es mas reflexiva su voz sigue rascando.

Pantera – 5 Minutes Alone

Dimebag Darrell, toda una leyenda en la guitarra que en los 90 vivió su apogeo y que en paz descanse, demuestra que no se necesita hacer un riff demasiado complejo para hacer una canción tremendamente pegadiza. Todo un conjunto de estrofas con efectos de guitarras absulotamente enfermizos y despedazadores como en el minuto 3:16 un efecto parecido al taladro contra el craneo que se ve en la portada del disco y para los que habeis visto el video seguro que flipasteis en el minuto 4 cuando distorsiona una nota hasta retorcer la cuerda.

Pantera – Becoming

La batería contralada por Vinnie Paul (hermano de Darrell y señor de la batería en llamas) le pilla el gustillo al pedal de doble bombo cosa que hace unos rellenos complejos o momentos de pedaleo triple antes de un golpe en el tambor. Domina casi cualquier ritmo que le pidas de la batería y no desmerece en absolutamente nada. También es otro que en canciones rápidas hace pasar calamidades a una batería que parece que no puede con el. Velocidad y desenfreno de manera caprichosa y premeditada.

Pantera – Planet Caravan

Conclusiones

Far Beyond Driven, es un plus en todos los apartados de Pantera. Pero eso significa un plus en algunas cosas que lo hacen inaccesible a algunos fans del metal mas puro. Tiene detallitos para los fans del metal mas clásico como Planet Caravan (cover de Black Sabbath), pero cada vez es menos apto para algunos seguidores por ser demasiado ácido, duro y pesado. Igualmente es un muy buen disco que para headbangers es un gustazo y para los poperos es la imagen del rock que les horroriza. Un disco de dos concepciones de oyente.

EXTRA: Pantera – This Love (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow (Muy bueno)

Brian Culbertson – On My Mind (2009)

Antes del análisis de esta tarde os dejo música de calidad que casualmente ayer escuché por la radio y como este blog regala buena música a sus oyentes pues aqui os lo dejo. Creo que ayer pocos o ninguno se miraron el análisis que colgué, ya que nadie me dijo nada de el cosa que me extraña bastante. Acordaos, esta tarde toca Moenia y os espero para que esteis con la mejor música. 

Saludos Very Happy

Análisis: En Electrico de Moenia (2009)

Hoy volvemos a análisis de discos de habla española con Moenia, una banda de electro y synth que existe desde inicios de los 90 en Mexico y que se vieron influenciads por grupos tan importantes como Depeche Mode. La calificaría comouna banda de éxito y bastante cercana a las causas solidarias participando eventualmente en conciertos solidarios cosa que habla bastante biende ellos.

Discográficamente nos dirigimos a revisar su último trabajo en el mercado que ha salido en 2009 y que seguramente es la visión de como va la banda a dia de hoy. Por lo tanto repasemos en brevedad lo que mas y menos tiene En Electrico y como creo que influye en la imagen de la música mexicana.

Análisis

Moenia – Contigo Estaré

Instrumentalmente se nota sobradamente la tendencia synthpop que sigue con unos efectos de latidos y pops hechos por instrumental eléctrico que son una seña de identidad del subgénero. Las melodías se valen bastante de piano que causa una buena mezcla en la oida. Para acabar de conjuntar el contorno general se añaden algunos efectos de fondo de flash muy suaves y algun eco.

Moenia – No Importa Que El Sol Se Muera 

El tipo de voz que tiene este disco me recuerda mucho a la banda española OBK. Se nota una voz que no busca agudez ni ningun tipo de exhibición, sino simplemente algo lineal que acompañe de forma correcta la melodía que se propone, cosa que no es negativa pero le resta variedad. Cosa que se intenta arreglar poniendo voces femeninas, que me parecen acertadas y que cumplen con la idea de dar un poco de gracia a las canciones.

Moenia – En Ti

Otra cosa mas querría destacar de la voz. Es sobre que no le noto demasiado acento mexicano, que tampoco veo ni como bueno o como malo, simplemente me llama la atención. Pero pasemos a otro apartado, a la parte de marcha, marcha. La percusión o ritmo se marca con los pops del efecto synth o con la batería que es muy notable a la hora de ejecutar, haciendo pasos entre canciones mas lentas y otras mas rítmicas y bailables.

Moenia – Manto Estelar (Acústico)

Lo negativo que le veo al disco es que puede que necesite personalizarse un poco respecto a otros grupos en lo que trata las canciones synth. Otro punto que no me agrada del todo es que la temática de las canciones es todo el rato de amor o desamor. Me encantaría que se expandiera un poco a letras de temática mas alternativa y divertida. Creo que sería una forma muy buena de dar un toque mas alternativo al conjunto.

Moenia – Estabas Ahi (En vivo)

Conclusiones

Me llevo impresiones positivas con el disco que os muestro, ya que es una forma de reincorporar el synthpop en nuestra estantería musical (que nombro sin parar). Me gusta el sonido del disco es bastante variado y da un poco de paso a todo. Lo que menos me gusta es que creo que tendría que experimentar un poco mas musical y letrísticamente. Pero en definitiva en Mexico pueden estar contentos de que se produzca música asi. Un disco que no es excelente pero que por su sonido le doy un notable alto.

EXTRA: Moenia – Tu Sabes Lo Que Quiero (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Exclamation (Bueno)

B.B. King – The Thrill Is Gone (En vivo, 1993)

Hoy domingo os dejo un poco de blues del genio B.B. King. Un músico con una gran gracia en transmitir a través de su guitarra sentimiento y poder. Con ya muchos años encima de los escenarios de todo el mundo es todo un símbolo aclamado por la crítica y los seguidores del estilo. Hoy secretamente he escrito otro análisis de una cantante que os sorprenderá que pise estos lares pero es de alguna forma para que haya un poco de todo en este blog. Animaos a mirarlo y opinad en esta entrada que os ha parecido. Mañana nos vemos con Moenia.

Para acceder al análisis pulsad AQUI

Saludos Very Happy

Análisis clásico: Blue Lines de Massive Attack (1991)

Siemprehan existido discos que han fascinado de una forma especial a la gentepero de un entorno mas underground. Para ser objetivo, discos que sonun referente sonoro indudable, la quintaesencia de algo que enprincipio es desconocido. En este caso presento un género que no es delos mas conocidos pero si relevante, el trip-hop.

Esun movimiento que se desarrolló en Reino Unido a principios de los 90 yque mezcla hip hop, house, electronica y hasta puede tener un poco derock de por medio. Realmente el periodo de principios de los 90 fue laefervescencia de movimientos de culto, que aportaron a la música unsentido nuevo. 

Análisis

Massive Attack – Daydreaming

Desde el primer momento creo que vais a notar la magia de estamúsica. Es un juego de efectos en la oida que te hace sentirte bastanterelajado. Todo el disco sigue una linea músical muy profunda que haceque te metas en una fauna de sensaciones. Cualquier adorno que tiene lacanción hace que suene de forma mística, la integración de efectos porlo tanto es sublime y cadaa uno es una sensación distinta.Principalmente son el gancho del disco por su hipnotismo.

Massive Attack – Safe From Harm

Las voces permanecesn tranquilas todo el disco, cosa que favorece aque sintamos esa hipnosis musical que antes os decía. La mezcla devoces femeninas y masculinas consiguen experimentar mas sonoramente. Eldisco busca hacer todas las mezclas posibles, todas las combinacionescorrectas y conseguir que pienses que no es normal ver algo asi en undisco. Esta forma de hacer que todo suene apacible es tan extraña comoa la par agradable. Por lo tanto, la parte cantada como una brisasusurra melódicamente.

Massive Attack – Blue Lines

La parte de percusión a través de la batería sigue los estereotiposunderground con bastante electronica. Se oyen unos golpes suaves y quetienen mucho eco. Se crea un compás de la música tranquilo que amomentos va acompañado de efectos con las manos como puede ser unchasqueo de dedos o una palmada suave. Y a la vez el bajo también creaun compás haciendo los ritmos de la canción y haciendo una espesa capade notas graves quesin ser complejas hacen un trabajo idoneo de relleno.

Massive Attack – Be Thankful For What You’ve Got

Pero quien decia que no se podía conseguir la calidez del vinilo enel sonido de un disco por si sólo. Este lo consigue con ese espumeo quehace uno de esos discos pinchados que hacen que notes el sonido masprofundamente. Si en disco es una gozada no logro imaginar como debeser escucharlo con uno de los famosos discos negros. Los coros, lasmelodías seguro que ya consiguen transmitir una sensación de ecosistemazen brutal. 

Massive Attack – Unfinished Symphaty

Conclusiones

La verdad estoy haciendo este análisis en horas intempestivas pero sirve para tener el ambiente simplemente perfecto para un disco como este tan sumamente expresivo. Nos encontramos ante una joya atemporal que merece ser escuchada una y otra vez. Seguramente cada persona se quedará con un punto del disco que mas le gustará porque por todos lados hay por donde pillar belleza. Seguro que es uno de los mejores discos de los 90 y de los que he tenido el placer de escuchar…

EXTRA: Massive Attack – Angel (En vivo)

Valoración

Arrow Arrow Arrow Arrow Arrow (Obra Maestra)