Análisis clásico: Among The Living de Anthrax (1987)

Intro del redactor:

Después del controvertido análisis de Bon Jovi, me gustaría argumentar que yo soy uno de los muchos análistas que habran revisado el disco y las notas pueden ser totalmente variadas. En este mundillo, sólo pongo mi granito de arena hablando de un disco a través de mi visión. Claro que puede o no ser la opinión de los demás y dejo claro que respeto todas vuestras opiniones, me sean contrarias o favorables mientras sean argumentadas. Por eso aunque haya de alguna forma apaleado su disco, le agradezco a miquiprince su aportación y su opinión, todos tenemos nuestro disco favorito y eso es positivo.

Volviendo al curro…

Anthrax, a finales de los 80 estaba en su época dorada, después de hacer Spreading With Desease, que contenía la megaheadbanger Madhouse. Por eso en mente estaba hacer un paso mas en calidad musical, que ya tenían. A parte de hacer a poder ser algo mas rápido y feroz que el anterior disco, que ya era mucho decir.

Pues en 1987, Anthrax publicó Among The Living, con toda la expectativa que habían levantado y siendo una banda thrash que ya se había metido en el mundo del videoclip y que ya hacía sus andadas en esa MTV legendaria de la que ya queda poco o nada, que también era sede de los durillos de la música, los metaleros. 

Análisis

Anthrax – A Skeleton In The Closet

Como todo el thrash que hemos escuchado en este blog, sabemos que este estilo del metal es el mas ràpido y cada una de las bandas que lo conforman tienen un instrumento que diría que es el mas veloz. En esta banda y sobretodo en este disco gana la batería el pulso, ya que si algo tiene para dar y vender es eso, pulso (pero ya os describiré con mas detalle mas adelante. El sonido dl disco es en general salvaje, pero muy bien medido. La sensación general es de canciones tormentosas.

Anthrax – Imitation Of Life 

Vayamos a la parte de guitarra que gira por dos vertientes, la velocidad y el classicismo. Evidentemente si es thrash hay velocidad a cascoporro, con partes de punteo a a velocidad de una trituradora y con acordes enlazados enmedio de tal comecocos. Pero a la vez Anthrax, sobretodo a través de la guitarra guarda un poco del heavy clásico en secciones no tan rápidas y mas a lo Judas Priest (que en su momento también hizo canciones veloces). A parte hay solos que también siguen este patrón, menos espectacularidad pero mas especialidad.

Anthrax – Indians

Y llega la batería, que arrasa. He visto muchos discos con partes de batería muy destacables y potentes, pero este tiene una magia especial y que arrastra todo el compás del disco. Ritmos muy variados, veloces y potentes con un pedaleo de bombo que parece un ejercito corriendo con zapatos de hierro, un petapiernas. Los redobles incrustados en las canciones son geniales y resuelven muy bien las estrofas, a la par escucho muchos ritmos militares y unos platos poco camuflados, lo mas genial instrumentalmente del álbum.

Anthrax – Caught In A Mosh

Y la voz de Joey Belladona ¿alguna especie de dudas? No, señor. Si quiere te hace una canción mas cañera, menos cantada y mas rollo pandilla de amigos peleones o hace un agudo que te puede sorprender. A parte se voz le da un toque ácido a todo lo que suena, es un plus indispensable para el material que maneja esta banda, que ya de por si es muy corrosivo. En este apartado ninguna duda de lo que da de si y aunque Belladona no sea un tio con una voz para absolutamente todos los géneros, cumple excelentemente.

Anthrax – I Am The Law

Conclusiones

No tengo dudas de que este es el mejor disco de Anthrax. Tiene un conjunto muy sólido y define el estilo thrash de la banda, el del baquetazo con mala ostia y el de la música enferma. Por lo tanto es el mejor heredero que podía salir de su anterior disco y de lo que había logrado el hit Madhouse. No estmos ante el disco perfecto pero estamos ante algo que es un nivel desesperadamente bueno y que si te gusta el heavy mas veloz lo has de tener vagrante. 

EXTRA: Anthrax – I Am The Law (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Exclamation (Excelente)

Análisis: Have A Nice Day de Bon Jovi (2005)

BonJovi es uno de esos cantantes que arrastran masas por todo el mundo conel mero hecho de contar con su presencia. Desde mediados de los 80,este cantante y su banda van dando muestras de su rock mas accesible ya la vez arrasador en número de ventas.

Deentre todos sus discos, hoy tocaremos uno que salió durante la décadapasada, como una forma de ver la calidad de sus últimos trabajos.  Puesveamos si este disco merece la pena dentro de lo que es su discografia.¿Un disco mas, una reivindicación de que no estan viejos para hacertrabajor musicales? Veamos…

Análisis

Bon Jovi – I Am

Como primera idea que he sacado del disco la primera vez que lo heescuchado, es de poca sorpresa. El conjunto musical es bastanteprevisible, teniendo claro que estamos en un hibrido de pop y rock pormucho que nos vendan que es un disco de hard rock desde algunossectores. Mi primer apunte es entonces algo para enfocar el género deldisco y para eso me inventaré un apodo que a partir de ahora seguidoresdel blog teneis que identificar y que se llama Hard Pop.

Bon Jovi – Bells Of Freedom

¿Y como definiría el Hard Pop? Fácil. Es ese derivado del pop quenos puede hacer creer que es rock por tener acordeo de guitarra o unaintro de canción que en principio es potente pero que a medida que pasala canción te das cuenta que no lo puedes mezclar con otras piezas derock puro. Por si sólo el Hard Pop no es criticable, pero si cae en elsimplismo si y eso vamos a tratar en este disco. El simplismo en estedisco lo encuentro en un factor que es clave y es en la personalidad delas canciones.

Bon Jovi – Have a Nice Day

La falta de personalidad lo noto cuando entre las canciones menosconocidas del disco no encuentro ninguna que me llame mas la atenciónque la otra y no precisamente porqué todas sean rematadamente buenas.Luego hay esas canciones 2 o 3 que tienen mas publicidad por parte dela discográfica y la prensa que son las mas rockeras (como la que os hepuesto encima). Pero tampoco es Hard Rock como nos quieren vender, esRock y punto con mucho acorde y sin poner demasiado enfasis en que laguitarra haga una música en particular mas que darle un poco de fondo ala canción, un extra medianamente destacble es cuando hay un solo.

Bon Jovi – Welcome to Wherever You Are

Pero entonces llegan de la mano dos cosas en el disco que hacen queno vaya a mi hoguera de llamas infernales. La primera es que la voz deJon Bon Jovi sobrevive con el paso de los años al tirón y esta canción,que a mi gusto es lo mas destacable del disco, sobretodo porque casi 6años despues es de la que me acuerdo sin duda y que sería el buenrecuerdo o el sello identificativo en positivo de lo que podría sertodo el disco, pero que no es. No pido que todas sean un esquema quequiera parecerse a esta (que es lo que intenta casi todo el rato eldisco) sino que sea como una especie de control de calidad, la fronteraque marcara un mínimo de como hacer las canciones.

Bon Jovi – Who Says You Can’t Go Home

Conclusiones

Hoy he roto un poco los esquemas de mis análisis que acostumbro ahacer, ya que este disco me ha hecho dudar bastante de la valoraciónque merecía. Hay discos buenos y hay discos malos, pero también haydiscos que necesitan un plus. Este es uno de este estilo ya que BonJovi durante sus primeros discos hacía musica comercialmente exitosapero que a parte tenía esa formula mas rebelde, mas fresca. Este discoen definitiva lo encuentro descafeinado en bastantes sentidos y soyduro sobretodo porqué esta banda puede dar mucho mas. Sabiendo eso veoque la banda tiene medios o para sacarte un disco muy bueno o para comoen este caso salvarse por las raspas.

Valoración:

Arrow Arrow Exclamation (Regular)

Análisis doble: Sirius B / Lemuria de Therion (2004)

Hola, vuelve el blog musical por excelencia de Gamefilia con una novedad en el formato de análisis, el análisis doble. En este caso haremos un repaso de estas características al tratar dos discos que son hermanos gemelos del mismo año y que contienen dos conceptos de una misma fórmula.

Hablando de Therion, explicar que es una banda sueca de Metal Simfónico que tiene el placer de ser una de las mejores del sector. Vayamos hoy a ver las riquezas que nos aportan estos dos discos que los procuraré compilar tan buenamente como pueda. A por ello:

Análisis

Sirius B

Therion – The Blood Of Kingu

Mirando por encima en una primera impresión da una auténtica sensación de épico. Mas adelante os explicaré con mas detalle cada punto pero en global da la impresión de estar ante la versión perfeccionada del metal del siglo XXI. Todo suena con fuerza y majestuosidad sin quitar la velocidad que puede ser altísima a lo largo del disco mezclando partes mas operísticas con otras mas musicales instrumentales. Desde el primer momento deja el listón muy alto a lo que se refiere musicalmente.

Therion – Sirius B

Los instrumentos de cuerda son realmente bien usados. El bajo aporta mucha densidad sonora al disco, hace que cada nota te parezca mas intensa y oscura, mas meditada, como una forma de hacer mas solida la forma de la canción. La guitarra pues va desde el campaneo triste hasta la mas loca estrofa, con riffs que son deboradores. Cuando escucho la guitarra en sus puntos mas álgidos me recuerda a un Avenged Sevenfold pero con un plus de calidad, menos temerario pero mas efectivo.

Therion – The Klysti Evangelist

En la parte vocal pues se nota que hay mucho punto simfónico ya que tenemos unas voces tanto masculinas como femeninas de los mas teatrales y depuradas. No desentonan para nada con la potencia que pueda tener el disco. Cuando se pone la voz mas heavy cumple muy bien con el objetivo aunque creo que tendría que aparecer un poco mas ya que es una buena mezcla, con las voces operísticas. También hay canciones con una parte vocal casi de calibre budista con un estilo templario.

Lemuria

Therion – Typhon

Entonces llega el segundo de los hermanos que tiene mas Heavy en sus venas. Pero ¿que pasa cuando el segundo hasta llega al mismísimo Death Metal? Pues que hay mas variedad para escoger. Eso se consigue con voces que ya llegan a ser berridos a lo bestia y modificando el sonido de la guitarra para que llegue a sonar a reactores. Aclaro que no todo el disco es Death Metal unido con Simfónico, pero este es el extremo mas alto al que llega el tándem de discos de Therion.

Therion – Lemuria

Volvamos al orden de análisis esta vez con la percusión. Como en esta canción podemos tener momentos de batería suave que solo acompaña. Pero en las canciones mas rápidas se da el gustazo con una percusión feroz en el que suena mucho el tambor y platos a la vez pero que deja mas el pedal (aunque hay excepciones, como la siguiente canción que pongo donde simplemente es EPIC) para que se escuche en las canciones mas lentas. Es una alternanza bastante bien considerada ya que en las canciones mas harmoniosas les da un toque menos molesto y menos artificial.

Therion – Abraxas

Por último en este amplio análisis, hablar de los instrumentos que acompañan como el teclado, la balalaika o el mellotrón (teclado eléctrico mecánico). Una buena idea para evitar que las canciones sean siempre una varición de mas o menos lo mismo. A parte que esa es una de las riquezas glogales que tiene que contener la música simfónica que se merezca esta buena mención. Hace que el Rock avance un nivel mas.

Conclusiones

Jaja los veo bastante gotiquillos en esta foto. Bueno en definitiva, un par de discos que como hermanos que son, como hermanos se enfrentan con una música potente mezclada con una parte vocal excelente y con un conjunto instrumental muy sólido. Su escala es desde el Rock sin decorativos hasta el Death Metal mas durillo, todo englobado en un estilo melodioso y de música clásica muy rico, lo que da de si el Metal Simfónico… Muy recomendable.

EXTRA: Therion – Seven Secrets Of The Sfinx (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Exclamation (Excelente)

 

Análisis clásico: Pretty Hate Machine de Nine Inch Nails (1989/2010)

NineInch Nails es un viejo conocido del blog con el que ya os he dejadoalguna canción conocida suya que merece bastante la pena. Tirando masalla, si hay rarezas de la naturaleza ,como esta banda, que consiguenser aceptadas por el público y hasta en su sector lograr un firmegrueso de fans, es un paso adelante hacia los nuevos estilos.

Peroen sus principios NIN se vio entre dos mares con su primer trabajo deestudio. Algunos lo encontraban algo positivo, un disco bien trabajadoy rico en sonidos y otros una extraña pantomima repleta de efectosespeciales. Ahora toca pues, después de que se haya hecho la reedicióndel disco que veamos con un poco mas de margen que da de si.

Análisis

Nine Inch Nails – The Only Time

Mirandopor encima el disco, vemos un sonido muy particular que es como unpuzzle plagado de piezas sonoras y abanderados por la parte vocal. Esla fusión entre el synthpop y el rock industrial de forma escalonadaque a ratos nos puede recordar la música de disco los 80 y a ratos, unsonido potente mercado por efectos que dan una sensación robótica a lascanciones. La buena mezcla de los dos estilos que he nombrado se dansobretodo por una buena cohesión y por saber que momento es mas poperoy cual es mas rockero.

Nine Inch Nails – Sin

Empezarépor la parte que mas me ha alucinado del disco sin ninguna duda, lapercusión. Una batería con tanta electrónica de por medio consiguehacernos pasar por ritmos tribales, complejos redobles de plato o hastamomentos de percusión al mas puro estilo garage rock. Hay momentos quecreo que el relleno que escucho rítmico parece samba, todo unespectáculo. La riqueza se encuentra tanto en la variedad como en lacalidad de la percusión con capacidad de ritmos desde lo mas pausado,hasta lo mas contundente o lo mas veloz.

Nine Inch Nails – Head Like A Hole

TrentReznor, todo un portento musical que casi se podría hacer solo losdiscos. Pero vayamos a la parte que en este disco es 100% cosa suya, elcantar. Su estilo de voz puede ser potente, pero también sensual y muysexual. Para la parte mas sensual y sexual empalaga mas la voz para quesea mas perverso el significado de la letra, ya que no se corta deponer material bastante explicito en sus discos y para algunos críticosen su época no acabó de encajar esto. Es una mezcla de reivindicacionesy de instintos básicos que tenemos las personas.

Nine Inch Nails – Terrible Lie

Yvoy a valorar juntos al bajo y a la guitarra ya que entre los dos seponen a hacer parte del sonido que tiene este disco. Nos encontramoscon intros de bajo que suenan realmente genial o con riffs de guitarramodificada con aparatos eléctricos, pero los dos instrumentos hacen quesuene mas rico el disco y también mas extraño si cabe. Estosacompañados por los sintetizadores consiguen un resultado experimentalque a finales de los años 80 lo valoraría como un soplo de aire fresco.

Nine Inch Nails – Sanctified

Conclusiones

Pretty Hate Machine, es un disco que a medida que hanpasado los años la crítica lo ha ido entendiendo mejor. Sonoramente noes un disco típico, es algo que necesita tomarselo con calma ya que alprincipio puede causar una sensación rara. Pero contra mas tiempo pasapues mas vas entendiendo todo el ritmo que tiene, que no es un discopara nada aburrido y que gana enteros si entendemos el synth y loindustrial. Por mi modesto parecer, es un disco excelente que mereceestar en nuestras estanterías musicales.

EXTRA: Nine Inch Nails – Survivalism (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Exclamation (Excelente)

Análisis: Franz Ferdinand de Franz Ferdinand (2004)

Buenas tardes, volvemos al curro de los análisis con una de las bandas de indie rock mas importantes de los últimos 10 años. Yo consideraría el boom que han tenido por realmente sonar a una banda del siglo XXI, ser frescos para el mercado musical de mediados de la década. Pero sepamos algo mas de este disco antes de analizar.

 

El bautismo de fuego de Franz Ferdinand se da en 2004 con este disco. Dos años después de que se formara la banda era la hora de demostrar en firme las propuestas de una banda joven. Ahora ya como unos consolidados, veremos como fueron sus inicios, vamos a valorarlos y a sacar el máximo de jugo a su primer trabajo homónimo. 

Análisis

Franz Ferdinand – Michael

El sonido general del disco se combina entre la pseudo elegancia y la potencia. Con pseudoelegancia me refiero a una especie de chulería de vanidad musical muy bien llevada sobretodo en el cantar pero eso ya os lo contaré mas adelante. Pero es un disco a la vez potente por la gran cantidad de sonidos que pueden sonar a la vez o toques estridentes que esconden sus canciones, pero seamos un poco mas precisos con los instrumentos…

Franz Ferdinand – Come On Home

Primero la guitarra, que tiene un sonido bastante particular como si se hiciera una mezcla entre punk y musica playera para acabar en acordes potentes. Y mas que tener punteos complicados de guitarra creo que tienen ritmos bastante entretenidos de tocar con la guitarra. Repetición de una misma nota punteando arriba y abajo con acordes para hacerlo, como diría… guay. Lineas de guitarra que quieren sonar molonas para canciones que no quieren ser deprimentes en ningun sentido, indiferentemente del mensaje.

Franz Ferdinand – The Dark Of The Matinée

El baterista parece que lo tiene chupado para hacer canciones a base de redobles si quiere. Combina inteligentemente redobles, ritmos simples y pedal. Da un ritmo variado a las canciones, genera buenas introducciones de canción y es muy acertado cuando va solo para demostrar lo que vale. Decir que los redobles de plato parecen su afición porqué en algunas canciones se suelta. Va desde ritmos bastante rockeros hasta el puntito de las baladas, cosa que habla muy bien de su técnica.

Franz Ferdinand – 40′

La parte vocal es la que mezcla ese descaro y esa falsa elegancia que hacen las canciones mas divertidas. No hay perfeccionismo ni una técnica depurada, simplemente cantar por la alegría que produce, punto. Los coros estan muy bien exageran mas esa sensación de juerga del disco y a veces esa original desafinación, que creo que Alex Kapranos, el cantante, la hace a proposito. No importa ser un genio vocal sino ser desenfadado y darle personalidad a las canciones.

Franz Ferdinand – Take Me Out

Y último, mención al bajo que a veces hace un trabajo suave de notas sueltas y en otros casos hace una importante parte melódica mientras la guitarra se mata a acordes. Es otro apartado que creo que esta al nivel de lo que requiere el disco, con partes simples cuando no es necesario hacer piruetas, pero presente cuando se le quiere dar un toque de calidad como fondo de una canción y no de cualquier manera.

Conclusiones

Este disco hace evidente que Franz Ferdinand tenía mucho futuro en esto de la música como se ha ido viendo con los años. Musicalmente el disco pasa algunos trances no tan brillantes, pero son detallitos pequeños que no emborronan la solidez sonora de este primer trabajo. Los baluartes de los que dispone esta banda se demuestran: potencia, inspiración, frescura, rebeldía y diversión. Algo que no lo convierte en una obra maestra, pero casi y que asi lo sepan vuestros amigotes, porqué es un disco digno de comprar.

EXTRA: Franz Ferdinand – This Fire (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Exclamation (Excelente)

¡¡2 AÑOS DE JUKEBOX!! + TU DECIDES EL DISCO Y LA JUKEBOX LO ANALIZA (Vol.3)

La Jukebox cumple hoy 2 años, gracias a vosotros. Un porrón de horas de canciones y cultura, mas de 60 discos analizados y unos cuantos reportajes y canciones sueltas. Podría dar muchos nombres de gente a quien agradecer tal objetivo y han habido unos amigotes y grandes bloggeros que se han unido a la familia (VOYEVODUS, bojan, marth01, Sergio sr rubio, Glanzzman, miquiprince) que se han pasado mucho últimamente y han ayudado activamente a que me animara a analizar a cascoporro. También gracias a todos los que habeis dejado ni que sea un comentario en toda la trayectoria que llevamos o por participar en las distintas iniciativas que he propuesto. Os dejo una cancioncita de paso para animar el ambiente:

R.E.M. – Radio Free Europe (1983)

Y bueno, como segunda parte de esta entrada, doy comienzo a la 3a edición de TU DECIDES EL DISCO Y LA JUKEBOX LO ANALIZA, el periodo de propuestas de discos lo dejo abierto hasta el lunes por la noche (sobre las 21:00 h). Por lo tanto ya sabeis, el tiempo es mas limitado que otras ocasiones. Acordaos que sólo se puede hacer 1 propuesta de disco por persona en cada edición, por lo tanto si hay alguien que ponga mas de 1 escojeré yo cual de los discos analizar. Espero vuestros discos.

Saludos Very Happy

Análisis: Some Kind Of Trouble de James Blunt (2010)

James Blunt es un cantante que en su dia se popularizó por la mas que desgastada "You Are Beatiful", desde ese momento ha sacado 3 discos y hoy analizamos su tercer y hasta ahora último disco que ha sacado al mercado el pasado año. Su estilo abanderado es el pop/rock (con mucho mas pop que rock, todo sea dicho).

A nivel internacional ha conseguido un gran èxito pero como siempre e este blog, nos planteamos a través de la calidad musical de un artista si su puesto es merecido o es producto de artificios comerciales. Siendo aun mas precisos en la pregunta ¿Este disco es un disco mas de los que salen a cascoporro?

Análisis

James Blunt – These Are The Words

El principio de esta canción me recuerda un poco a On The Beach de Chris Rea, si os digo la verdad. Bueno voy a lo que interessa, el disco nos muestra canciones sencillitas i accesibles al gran público, cosa que no esta nada mal en los dias que corren hoy. El estilo de música es bastante pacífico aunque eso no significa que le falte ritmo. El sonido no me parece desagradable en ningún momento.

James Blunt – Stay The Night

Como veis el disco también pone un toquecito de folk, pero como muestra el disco, diria también que es folk playero para pasar el rato. El instrumento que mas le da el toquecito es la guitarra clásica con acordes agiles que le dan ritmillo de fondo a la canción. En algunos momentos aparece la guitarra eléctrica para darle un poco de variedad al conjunto que ni busca florituras ni virguerías, simplemente sonar bien y dar melodía, al fin y al cabo.

James Blunt – So Far Gone

Lo que en principio puede parecer una intro de rock alternativo que no os engañe, todo se va transformando poco a poco en pop (y esa podría decirse como una de las pegas del disco). Cuando parece que arriesga pues sólo esta haciendo algo para camuflar un poco. Pero sigue sin sonar mal que es ese el sentido de todo. Lo que hace sobretodo notable el paso y que es pop es la forma de tocarse el piano que suena de fondo musical.

James Blunt – Superstar

La batería pues no tiene mucho misterio que digamos. Se trata del ritmo sencillo que le pegue a la canción y que es una alternativa tan respetable como cualquier otra pero que carece de innovación alguna. Lo que se ahorra es hacer adornos que pueden no quedarle bien a la canción, pero ni que sea algun redoble sencillo no digo ni ràpido podría hacer este apartado menos monótono. Igualmente cumple con el papel de no sonar mal.

James Blunt – I’ll Be Your Man 

Conclusiones

Some Kind Of Trouble, es un disco sencillito hecho mas para pasar ek rato que para aprender algo nuevo de música. No usa fórmulas rompedoras ni técnicas supersónicas. Simple y llanamente se vale de ser agradable para el oido y de un plantel de canciones que no son de las típicas de producción en masa. En definitiva, un disco que siendo objetivo es aceptable de calidad y recomendable para los viajes pesadetes o los ratos vacios.

EXTRAS: James Blunt – No Bravery (Unplugged)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow (Aceptable)

Análisis: Deep Blue de Parkway Drive (2010)

Este año estoy haciendo mucha tarea de análisis de discos de Metal, cosa que alegra seguro a muchos de los seguidores del blog. Hoy daremos un paso adelante en dureza y nos vamos a por el subgénero del Metalcore y con una banda que procede de Australia.

Parkway Drive, es una banda nacida a principios de la ya década pasada con una idea creativa de discos bastante potente. Antes de este disco sacaron al mercado un par de discos de notable calidad y con los que se ha mostrado una escalonada mejora. Siendo una fórmula que como el vino mejora ¿este tiene que ser por narices el mejor disco verdad? pues ahora lo veremos…

Análisis

Parkway Drive – Samsara

Pues ya que el disco nos muestra azul y agua vayamos a por su primer tema que nos traslada durante sus primeros compases a sonidos de goteo de agua. Y luego da comienzo con una voz a lo trol lo que será el sonido del disco, el que nos acompañará durante los cerca de 44 minutos que dura el disco. Potencia marcada con ritmos muy subidos de volumen y de mucho golpe, para hacer mas efecto.

Parkway Drive – Deadweight

Si fuera por nivel de cague que produce no se por que instrumento empezar pero siguiendo un poco la base que he marcado en los análisis, la guitarra sera la primera. En los ritmos mas lentos, la guitarra suena muy potente y alternando notas largas con toques. Luego en las partes mas salvajes y rápidas vemos que se hacen escalonamientos de acordes y notas. La guitarra rítmica le da mala ostia a los temas y la solista tecnicismo. La mezcla en si es como describir unas guitarras de guerra.

Parkway Drive – Unrest

La batería, es casi un crimen para las manos y pies. La dureza del apartado rítmico es la de: Vamos a todos a hacer una demolición, pero no de una casa de campo, sino de un barrio entero de edificios. Aqui no hay redobles, hay tiroteos con el tambor y que decir del pedaleo que no esta todo el rato sonando pero cuando aparece es como hacer spinning (un ejercicio para endurecer piernas) extreme. Las partes mas lentas en guitarra el baterista las llena de ritmo con algun toque de platos o toms y mucho, mucho pedal de bombo.

Parkway Drive – Sleepwalker

La voz pues es como en la mayoría de los derivados del Metalcore, berridos. Mucho chillido con voz aspera para acojonar al personal. Si le pusiera una voz melodiosa pues se parecería mucho al Power Metal, pero no. En este apartado encontramos la parte buena que es acabar de potenciar la rabia que tiene el disco pero es la parte mas mala en que todo el rato es asi la parte vocal. Pero le afecta en relativamente poco a la calidad general pero eso ya lo veremos en las conclusiones.

Parkway Drive – Deliver Me (En vivo)

Conclusiones

Para los seguidores del Metalcore, Deep Blue, creo que les parecerá un disco genial. Con un sonido feroz y a tiempos descontrolado y lleno de ira, consigue en algunos momentos sorprendernos con intros potentes y con guitarrazos muy técnicos. Efectivamente, este es el mejor disco de Parkway Drive no por un gran cambio sino por perfeccionarse dentro de su género. Un disco excelnete y que creo que tiene los ingredientes necesarios para aceptarse con los brazos abiertos por la comunidad heavy.

EXTRA: Parkway Drive – Idols And Anchors (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow Exclamation (Excelente)

Análisis: Order Of The Black de Black Label Society (2010)

Hace poco los que estamos metidos en esto del heavy sabemos que Zakk Wylde fue despedido por Ozzy Osbourne por hacer música demasiado de Black Label en los discos de Ozzy. Pero cosas de la vida, Black Label saca un disco al mercado dispuesto a librarse del peso del padre del heavy.

Logicamente, para este disco tenían libertad creativa para hacer su rock como mas les pareciera. Esta libertad tendría que suponer una evolución evidente que por lo tanto les ha de quitar frenos que Wylde tuviera en estudio con Ozzy. Por lo tanto es hora de que nos demuestre si ha puesto un poco de su vena mas salvaje en las canciones.

Análisis

Black Label Society – Darkest Days

Empecemos con la parte mas tranquila del disco que es una balada rock bastante interesante con la voz de camionero que le pone Zakk Wylde. En esta canción la guitarra no está en primer plano hasta el momento del solo pero hace que se consiga transmitir sentimiento sin ella. Durante las estrofas se soluciona pues la papeleta a través de la voz de Wylde y de un organillo que le da un poco mas de gracia a la canción, poniendo una batería suave como ritmo.

Black Label Society – War Of Heaven 

La parte de guitarra, mezcla dos cosas: riffs muy pesados (refiriendome a que son duros) y muestras de virtuosismo en pequeñas porciones para darle un poco de emoción al disco. Quien ha escuchado bastante Black label se imagina pues un estilo de guitarra con un sonido ácido en los acordes con bastante gracia en ejecutar efectos distintos. Los solos no son tan escalonados como los que hacen otros importantes guitarristas pero tienen un componente mas técnico como si fueran tocados a dos manos, dando sólo con los dedos en el mástil del instrumento.

Black Label Society – Overlord 

La batería suena aceptablemente bien en este disco con ritmos para baladas y rockeradas. No hace ninguna innovación de relevancia pero al fin y al cabo cumple con la parte del pastel que le toca que no es poca cosa. Con algun redoble por aquí y por alla pues deja un buen arreglo rítmico del disco. Pero se nota que cualquier virguería se deja para el nombre importante de la banda. 

Black Label Society – January

Y otra baladita. La verdad en este apartado el disco no es nada original. En eso destacaría el fallo del disco, que entre las buenas intenciones que tiene y cumple se repite un poco en lo que es sonoramente, ya que a la larga buscas un poco mas algo que te identifique las canciones que escuchas. Esta parte tendría que haber sido un poco mas reflexionada, como hacer que las canciones tengan personalidad própia y no nos quedemos en prototipos.

Black Label Society – Godspeed Hellbound 

Conclusiones

Order Of The Black, parece buscar la redemción de Wylde con su forma personal de entender la música pero le falta un poco de calibrado para explotar el potencial que tiene este guitarrista. Vocalmente hasta hay momentos que me parece escuchar a Ozzy cantar. El peor problema con el que se enfrenta el disco es que quiere mezclar canciones potentonas con baladas (que no esta mal) oero la balada para un rockero es un hecho que se da en menor medida y con mas reflexión. Un disco aceptable y que recomendaria sobretodo a los fans de Black Label.

EXTRA: Black Label Society – In This River (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow (Aceptable)

Análisis: Them Crooked Vultures de Them Crooked Vultures (2009)

La idea de que ahora aparezca un supergrupo (grupo de formado por integrantes de otras bandas de gran popularidad) a dia de hoy es algo mas o menos curioso cuando mucha de la música de calidad se ha tapado con canciones facilonas. Pero aun existen bandas que por suerte han logrado emerger y sobrevivir a esta oleada que ya empieza a oler a pescadilla.

Pero ya cuando nos dicen de mezclar gente de Foo Fighters, Queens Of The Stone Age y Led Zeppelin los ojos nos empiezan a hacer estrellitas pensando en que puede salir. Y eso veremos hoy con detenimiento esta fusión llamada The Crooked Vultures que promete, que aporta a la música de hoy en dia. La pregunta evidente ¿Hará justicia este disco a la unión de tres grandes músicos como Josh Homme, Dave Grohl y John Paul Jones? Veamoslo.

Análisis

Them Crooked Vultures – Elephants

El disco en si huele a hard rock, su esencia es de una mezcla de estilo clásico y blues. A parte es bastante elegante resolviendo las canciones ya que se le pega un poco del estilo de cada uno pero refinado. Es decir, la potencia moderada por el estilo que hace que nos acordemos de cada una de las tres bandas de las que porvienen los que tocan en algun momento indicado pero a la vez integrando un concepto nuevo que sólo ellos tre juntos pueden hacer que sea innovador para el oyente.

Them Crooked Vultures – Scumbag Blues

Mister Josh Homme demuestra que con su guitarra puede hacer casi cualquier cosa. Si en el disco que analicé de Kyuss ya demostré que este hombre podía llegar a un punto apoteósico con el instrumento de cuerda. En este álbum nos enseña que puede resucitar estilos muy característicos de otras bandas como Led Zeppelin. Aunque pone su toque personal en los solos con notas bastante desgarradas como si las cuerdas estuvieran peladas cosa que ya es normal de su forma de hacer música.

The Crooked Vultures – Dead End Friends

La batería igual que las canciones se mueve por estilos. Pero Dave Grohl no pega a cazuelas o cacerolas, sino que hace un trabajo muy destacable de percusión en este disco con ritmos sobretodo pesados y rotundos. En parte, recuerda a su época de Nirvana con sus poderosísimos redobles en el tambor. Por lo tanto, el abanico de velocidades de golpe que hay en este disco es bastante elevado y aunque tiende a resolver la mayoría de los redobles igual, en ningun momento me transmite monotonía.

Them Crooked Vultures – New Fang

John Paul Jones, sigue mayoritariamente el ritmo de la guitarra pero cuando se suelta demuestra sus grandes dotes. Su trabajo no es solo poner esa capa de humo rítmico que siempre os digo que hay, sino también un estupendo trabajo melódico que ayuda a sus compañeros a que integren el Old School Rock. Por lo tanto no es relleno lo que hace el sino maestría auténtica que aporta. Es la chispa de antaño que necesitava la banda para hacer calidad. 

Them Crooked Vultures – No One Loves Me & Neither Do I

Conclusiones

Como últimos apuntes, ver que el disco se guarda algunos momentos musicales bastante curiosos y hasta raros. El fallo mas gordo que le puedo ver es algun momento que las ganas de hacer algo nuevo les lleva a cosas un poco cansinas (pero en momentos que puedo contar con los dedos de una mano). Pero el disco es claramente un mix del potencial de cada uno de sus integrantes y que almenos a mi me ha convencido mucho su estilo. Aunque si se perfeccionara un poco mas podría conseguir enamorar.

EXTRA: Them Crooked Vultures – Elephants (En vivo)

Valoración:

Arrow Arrow Arrow Arrow (Muy bueno)