David Lynch: Vida y Obra

La entrada de hoy tiene un carácter especial, por un lado se trata de un homenaje a uno de mis directores favoritos, el cual, a través de sus películas únicas me ha sabido transmitir emociones y contrastes quecasi ninguno más ha logrado, David Lynch es un genio, un maestro de la filmografía que se ha consolidado como una de las figuras más celebres del panorama cinéfilo actual, y que sin duda pasará a la historia del 7º arte como uno de esos realizadores pródigos que ha logrado elevar al cine a la máxima expresión del arte, y eso esl algo de lo que muy pocos pueden presumir. Stanley Kubrick, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky, Luis Buñuel, Jacques Tati… grandes figuras de la historia del cine que le sirvieron de inspiración para sus magnificientes films.


El otro lado que confiere a esta entrada un significado tan especial es a la persona que va dirigada este regalo, Zerael. Cuando me enteré vía MP de que él sería el destinatario de mi regalo no pude sino esbozar una sonrisa cómplice, creo que estoy en lo cierto cuando digo que ambos compartimos a grandes rasgos (siempre habrá desavenencias) nuestra pequeña alma de cinéfilos. Al principio no tenía ni idea de que regalarle, un relato sería algo muy superficial, una entrada cinefila no demostraría mi aprecio hacia su persona y cualquier entrada experimental y sentimental que realizara carecería de mi sello personal. Pero revisando su Top Cinéfilo me percaté (aunque ya lo sabía) de que tanto para él como para mí las películas de David Lynch ocupan un lugar especial.

Y me dije a mi mismo que un homenaje a la figura de este director colmaría mis expectativas y exigencias ,y también creo que Zerael disfrutará leyendo el texto que viene a continuación tanto como yo redactándolo. Este regalo está destinado a que lo disfrutes, y sobretodo, espero que te agrade este humilde homenaje.

Sin más que añadir, todo esto es para ti, compañero Zerael, es el regalo que te mereces después del año que te has marcado ^^

> Biografía

David Keith Lynch nació en Missoula, Montana, el día 20 de Enero de 1946. Se crió en el seno de una familia de clase media estadounidense y muy tradicional. Su madre era una profesora particular que se pasaba el día en un constante trasiego de domicilio en domicilio, y su padre era un investigador que trabajaba para el Departamento de Agricultura, lo cual le obligaba a desplazarse por los parajes naturales de muchos Estados. La vida del pequeño Lynch, por lo tanto, se tornó solitaria y vacía en sus primeros años, ya que apenas tenía amistades debido a que su familia se trasladaba de cuando en cuando entre distintas ciudades por el trabajo de su padre.

En el año 1961, Lynch y su familia se mudan a una gran ciudad, la cual el propio cineasta define como una ciudad grande donde había mucho miedo. Pero pese a estos cambios de domicilio y esta ausencia de amistades, Lynch guarda un grato recuerdo de su infancia, la cual no considera especialmente traumática y/o negativa:

"Creo que era un chico completamente normal. Porsupuesto, a todos nos gusta pensar que uno es diferente y único… Segúnmis recuerdos, tuve una infancia feliz, sin demasiados problemas. Pero los chicostienen los sentidos particularmente alerta, los ojos muy abiertos, las orejasmuy atentas, y el mundo les manda una catarata de informaciones y sensaciones…Los chicos perciben las cosas de manera muy fuerte, pero tienen tambiénuna imaginación que puede amplificar los acontecimientos más insignificantes,los detalles más ínfimos. Agrandado por la imaginación deun niño, un pequeño acontecimiento puede convertirse en la másbella o la más horrible de las historias ´´

No fue hasta ya avanzada su adolescencia cuando el director se percató de sus dotes artísticas para la pintura, y fue en el año 1965 (cuando tenía 20 años) cuando ingresó enla Pennsylvania Acadamy of Fine Arts, hasta aquel entonces Lynch definía su vida así:

"Cuando era un adolescente, intentaba divertirme24 horas al día. No empecé a pensar hasta que tuve 20 o 21. Hacíacosas estúpidas y comunes. […] No sucedió mucho en el piso dearriba hasta los 19. Mi madre se negó a darme libros para colorear cuandoera niño. Probablemente me haya salvado, porque si lo piensas, lo quehace un libro para colorear es destruir completamente la creatividad."

En ese mismo año Lynch y un amigo suyo, realizaron un viaje a Europa junto con un pintor que realizó la labor de mecenas, este viaje les llevó por París, Austria y Grecia. Sin embargo, no son buenos los recuerdos que guarda de dicho viaje:

"Pensaba todo el tiempo, aquí es dondevoy a pintar. Y no había ningún tipo de inspiración allí parala clase de trabajo que quería hacer. […] Tenía la intenciónde quedarme tres años. En cambio, ¡me quedé 15 días!

Cabe mencionar que el año 1965 fue uno de los más importantes para el prestigioso cineasta, fue cuando destapó por completo su vocación por la pintura, su ingreso en la Academia le reportó un sinfín de beneficios a nivel personal e interior,y comenzó a moldear su personalidad artística que empezó a plasmar en pequeños cortos donde ya se podía vislumbrar esa estética tan marcada e íntima. Su afinidad con el cine iba en aumento, y pese a que la pintura era su máxima predilección, poco a poco se percató de que la fusión de imagen y sonido le permitiría alcanzar nuevas cotas para poder expresar por completo su torrente creativo.

A finales de los 60 y principios de los 70 Lynch elabora numerosos cortos que define de muchas maneras distintas, estos cortos terminan por destapar su vena cinéfila. Estas pequeñas obras ya muestran un estilo rompedor , tal y como ocurre en Six Men Getting Sick (1966) un corto que tal y como afirma el título muestra a 6 hombres enfermos a través de fotogramas con una estética visual pocas veces vista, con una serie de montajes indescriptibles que confieren al conjunto un aura siniestra y oscura con una música repetitiva:

Six Men Getting Sick (1966)

Posteriormente, en el 1968 realiza The Alphabet, un corto que nuevamente sorprende y deja una sensación fría en quien lo ve. Nuevamente apuesta por montajes extraños, de una naturaleza mística, con escenas porque no decirlo ciertamente inquietantes y perturbadoras que causan un gran impacto visual, en este corto se puede apreciar el gusto por la pintura de Lynch con escenas del surrealismo. Un corto macabro, más propio de un perturbado que de un brillante cineasta, pero que destapa el lado más caótico de la personalidad de Lynch, y es que la estética siniestra resulta tan misteriosa como atrayente, no puedes apartar la mirada de la pantalla ante una recreación tan abstracta. Este corto recibió un galardón.

The Alphabet (1968)

Posteriormente, en 1970 Lynch dirige y crea The Grandmother el primer corto que exhibe de manera oficial y organizada ante un público. El corto describe a un niño que planta una semilla de la cual germina su abuela. Creo que ya sobran comentarios para describir la ya casi formada estética única lynchiana, un corto precioso y evocador para algunos, y para otros una rareza de naturaleza indescifrable. El fantástico y extraño mundo onírico de Lynch termina de destaparse en este cuanto menos, experimento visualmente cautivador.

The Grandmother (1970)

Ya en el año 1971 Lynch se traslada a Los Ángeles, concretamente al American Film Institute Conservatory para proseguir con sus estudios artísticos y seguir puliendo y perfeccionando sus dotes para el cine. Es en esta época cuando Lynch abraza definitivamente al cine como su medio de expresión predilecto, se produce una maduración en su estética, y logra desplegar al fin toda su personalidad fílmica. En el año 1973 comienza a rodar Eraserhead (Cabeza borradora) su primer film profesional, el cual no estrenaría hasta 1977.A partir de aquí Lynch inicia su carrera como director profesional , esa que nos ha dejado films tan rompedores y que nos han cautivado con su siniestra pero a la vez magnética personalidad.

Del documental Los 10 Magníficos (MUY Recomendable)


> Estilo e Influencias

"Preferiría suicidarme a hacer una películaen la que yo no tenga la última palabra sobre el resultado final. Yo empecé comopintor, en la escuela de Bellas Artes, pero un día estaba delante de uncuadro y me pareció ver que algo se movía en él. Desde entoncesintento combinar sonido e imágenes de la mejor manera posible".
"Hay quien dice que el público no quierepensar, sino que prefiere que le den las cosas ya masticadas. Eso son chorradas.A la gente le encanta pensar. Todos somos detectives, tenemos capacidad paraprestar atención y sacar nuestras propias conclusiones. Y eso es francamentebueno".

Asi define a grandes rasgos David Lynch sus películas y la motivación que le lleva a imprimir en las mismas esas características tan personales. Cualquier filósofo, crítico profesional de cine o erudito podría teorizar y escribir cientos de líneas acerca de la estética, influencias y pensamientos que pululan por la prolífica mente de Lynch. Sin embargo, un simple aficionado al cine como yo puede teorizar e indagar de manera limitada en el pensamiento e ideas que reflejan los films de este cineasta. Entonces, os diréis ¿Por qué consideras a Lynch un gran director si no eres capaz de sacar todo el contenido de sus películas?

Mi respuesta se extrae de la 2º cita de este apartado, y es que para disfrutar del cine de Lynch no es necesario ser un parangón del saber ni un gafapasta con aires de artista ruso del XIX, para disfrutar del cine de David Lynch sólo hay que tener una mente lo suficientemente abierta para captar la esencia del film ,y a partir de ahí reflexionar y jugar con el contenido oculto que Lynch siempre deja en el aire para que nosotros empleemos nuestra capacidad de discernir, en resumidas cuenta, lo que Lynch pretende con sus films (aparte de expresarse) es jugar con la mente del espectador , que sea él el que a través del poder de su imaginación termine de tejer la siempre inconclusa trama.

Lynch propone un cine basado en la estimulación de lo más profundo del alma humana, sus emociones, a través de historias con una fuerte carga filosófica y moral, y nosotros, como filósofos improvisados, debemos emplear nuestra imaginación como fin y dejarnos llevar por nuestras emociones como instrumento para poder sacar conclusiones basadas en lo que nos dicta nuestro interior.

Lynch crea cine sacado de lo más profundo de su alma, sus historias son subjetivas y siempre abiertas a interpretaciones, y nosotros, como si de lírica se tratase, las interpretamos y completamos a nuestra elección.

El cine de Lynch promueve el subconsciente y el uso de la imaginación, es un cine muy distinto al actual, que busca divertir e impactar de manera más superficial en el espectador. Esta teoría propuesta por mí sería aplicable a otros directores mentados al inicio de la entrada. Como ya he dicho antes, no es un cine para minorías intelectuales, es un cine que requiere capacidad de abstracción y una mente abierta, a partir de ahi cualquier conclusión que saques podrá ser mínimamente válida.

Por regla general se tiende a decir que Lynch es un personaje perturbado y enigmático, cuando en realidad esto dista mucho de la realidad, él se describe como un hombre normal, con esposa y dos hijos, un apasionado de lo oculto y de la naturaleza humana, y crea historias (normalmente dramas salvo una salvedad) que tratan sobre eso mismo, sus películas son una reflexión de lo que esconde el interior del hombre. Sus obras retratan ciertos lugares de su país natal, Estados Unidos, y ciertas zonas geográficas, al igual que hacen otros muchos realizadores. No es de extrañar, por tanto, que el centro de su reflexión se suela centrar en la sociedad estadounidense.

Otro de los aspectos que definen el estilo de David Lynch es su pasado como pintor, este factor se puede apreciar en sus planos , minimalistas y bastante innovadores, y en su uso de la cámara. También se demuestra en lo que concierne al atrezzo de los personajes (vestuario…) y en su prácticamente obsesión por recrear atmósferas deprimentes , agobiantes y macabras mediante el empleo del blanco y el negro , y el uso de técnicas ya vistas en su obra (Cabeza Borradora y El Hombre Elefante) o por retratar ambientes y parajes visualmente cautivadores y de tonos vivos vistos en films como Una historia verdadera o Corazón Salvaje.

Otro de los detalles que se deben mencionar para terminar de entender ciertos rasgos de las películas del realizador es que él mismo reconoce abiertamente su afición al dadaísmo. El dadaísmo es un movimiento artístico del 1916 creado por Hugo Ball que consiste en la rebelión contra las convenciones literarias y artísticas preestablecidas, es decir, se opone a cualquier modelo literario y artístico convencional y busca nuevas formas de expresión rompedoras.

Asimilando este dato se puede comprender el por qué de esa estética tan visualmente rompedora y esa narración que rompe con los esquemas básicos dados en el cine. Y es que el poder expresivo de los films del director no sólo se basa en un guión sólido, consistente y con una trama repleta de metáforas y misterios ,sino que cede gran parte del poder expresivo en los gestos de sus actores y en el poderío visual y musical, Lynch es capaz de traducir hojas y hojas de guión en una escena de poderoso nivel expresivo (algo que sin duda aprendió de Tarkovsky y su archiconocida escena del túnel en Stalker). Esta alteración de los esquemas afecta en gran medida al desarrollo de sus películas, ya que la mayoría poseen una estructura narrativa y una narración de hechos con un orden muy distinto, Lynch sabe cómo alterar el orden de las cosas y convertirlo en algo caótico pero a la vez fascinante.

Para acabar con este apartado, no se puede obviar cuáles han sido las fuentes de inspiración del cineasta para sus películas. El cine de Lynch comparte muchos rasgos de su estética y narración revolucionaria con los films del mismísimo Stanley Kubrick, el guión denso y repleto de alusiones filosóficas y metáforas es más típico de Ingmar Bergman mientras que ciertas escenas y planos de fuerte carga simbólica y expresiva son herederas del genio ruso Tarkovsky. El propio Lynch ha reconocido varias veces que literariamente bebe de Franz Kafka y artísticamente de Francis Bacon (pintor estadounidense).

En el terreno cinéfilo se considera un gran amante del cine de Kubrick, profundo admirador de Fellini y se siente influenciado por Ingmar Bergman, Jacques Tati y Luis Buñuel ( es innegable la influencia de este último en su film Terciopelo Azul) . Lo que está claro es que con tales influencias el resultado de sus films sea tan distinguido y peculiar.

> Filmografía

La filmografía de David Lynch es cuanto menos peculiar, cada film suyo es una experiencia completamente distinta a la anterior, bien es cierto que el campo de reflexión del mensaje que transmite en cada una de sus obras parte de la misma base, pero lo transforma y convierte en algo especial e inimitable. Lynch es capaz de abarcar muchos géneros y formas de expresión distintas, ya sea contando una historia de corte y forma clásica y reinvéntandola (El Hombre Elefante) ahondando y perfeccionando el cine negro (Terciopelo Azul) , o sentar cátedra con películas que no se pueden clasificar según una escala clásica, como es el caso de Cabeza Borradora, la cual innova y rompe en su época, y hoy en día se pueden observar films con claras reminisciencias de la misma (¿ he oído Pi del emergente Aronofsky?).

Lo que está claro es que Lynch no es un artista de costumbres, tan pronto narra una historia realista con fuerte carga sentimental (Una historia verdadera) o se sale por la tangente con obras inclasificables e incomprensibles en ocasiones (Carretera Perdida o Mullholland Drive).

A continuación ofrezco un listado de su obra, como veréis en algunas películas me detengo más que en otras (como veréis en Corazón Salvaje o Inland Empire y secuela apenas me detengo porque no he tenido tiempo para poder revisionarlas, y sobre Carretera Perdida y Mulholland Drive ya fue todo dicho de manera perfecta y muy clara en el blog de Zerael ^^)

Asi pues, comencemos con el listado:

* Cabeza Borradora (1976)


TÍTULO ORIGINAL Eraserhead
AÑO 1976
DURACIÓN 90 min.
GUIÓN David Lynch
MÚSICA Peter Ivers
FOTOGRAFÍA Frederick Elmes (B&W)
REPARTO John Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts
PRODUCTORA David Lynch / The American Film Institute for Advanced Film Studies

Cabeza borradora es el primer film profesional de David Lynch, su grabación duró cerca de 4 años, y el propio director asumió los roles de realizador y guionista, contando con la financiación de la Academía donde por aquel entonces estaba. La trama gira en torno al personaje de Henry, un joven asustadizo y con una fuerte depresión que sufre una serie de pesadillas de manera constante. Henry intentará ahuyentar estos males y tormentos que le rondan por la cabeza mediante le poder de su imaginación, sin embargo estos males vuelven cuando ve como su hijo resulta ser una abominación.

Las pesadillas y ensoñaciones de Henry suponen el eje sobre el cual se narran las escasas líneas de diálogo que aparecen durante el film. Tratándose del primer film de Lycnh se puede apreciar con claridad que sigue la linea estética y expresiva de sus primeros cortos, una ambientación distinta y oscura, basada y recreada según la mente transtornada de Henry. Lynch reutiliza y perfecciona los medios expresivos empleados en sus cortos y los eleva un paso más, terminando de destapar al espectador esa personalidad e imaginación tan peculiar y atrayente de la cual hace gala.

Los entornos y personajes son realzados por el uso del blanco y el negro, lo cual dota al conjunto de un trasfondo más macabro y agobiante, las pocas líneas de guión ceden el protagonismo a imágenes de fuerte impacto visual, con una caracterización de personajes y escenarios sublime que componen una de las atmósferas más raras vistas en el cine de aquella época.

La película causó un gran revuelo y escepticismo entre el público y la crítica, muchos profesionales del sector la criticaron por su naturaleza mística y perturbadora, argumentando que el film era demasiado extraño y enigmático como para entenderlo, mientras que otras minorías le auparon como obra de culto imperecedera. Lo que está claro es que no es una película normal, la mente prodigiosa de Lynch teje fotogramas de un fuerte simbolismo y los dota de una naturaleza estrambótica, al igual que ocurre con el personaje de Henry.

Es una de sus obras más confusas y difíciles de interpretar, tal y como él mismo afirma, pero supone el estandarte más visible de los amantes del cine de Lynch. Podría explayarme intentado analizar cada escena, pero es un film de obligado visionado, a algunos les parecerá un sin sentido mientas que otros lo adorarán,lo que está claro es quehay que verla y sacar cada uno sus propias conclusiones.

Con este inicio, Lynch gana a una minoría de seguidores y se rodea con un halo de director independiente que hará que cobre interés cada material que cree.

Nota media en IMDB –> 7,4
Nota media en Filmaffinity –> 7

* El Hombre elefante (1980)

TÍTULO ORIGINAL The Elephant Man
AÑO 1980
DURACIÓN 125 min.
GUIÓN David Lynch, Eric Bergren, Christopher De Vore
MÚSICA John Morris
FOTOGRAFÍA Freddie Francis (B&W)
REPARTO Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones
PRODUCTORA Paramount Pictures. Productor: Mel Brooks

Uno no puede sino sentir tristeza y asco a partes iguales cuando lee que esta película está basada en hechos reales. El Hombre elefante cuenta la historia de John Merrick, un hombre con serias malformaciones en su cuerpo que penalizan su forma de vida y le convierten en un supuesto monstruo insultado, humillado y marginado por una sociedad egoísta y ruín, a la vez que es explotado para el beneficio de comerciantes sin escrúpulos. Sin embargo, el doctor Treves se interesa por su historia, y decidirá investigar su caso para intentar mejorar sus condiciones de vida y hacer ver tanto a la sociedad como al propio Merrick, que es un hombre como cualquier otro, con sus mismos derechos y sus mismas necesidades.

Con El Hombre elefante Lynch se labra una alta reputación entre crítica y público, rodando una película radicalmente distinta a Cabeza borradora y a la mayoría de sus obras. A través de un guión elaborado y redactado con gran maestría, Lynch rueda una película de fuertes contrastes emocionales con un mensaje lo suficientemente profundo como para dar rienda suelta a todo su poder creativo. Y así lo hace, El Hombre elefante saca a relucir las características fílmicas que definen al director, un manejo de la cámara innovador, con planos íntimos que muestran muy bien cada gesto de los personajes y que prestan atención a todos los detalles que con mucho celo Lynch distribuye en pantalla, y una gran preocupación por el montaje y recreacuión de personajes y atmósfera.

Mentiría si no dijera que en mi opinión El Hombre elefante es su mejor obra junto con Mullholland Drive, y es que esta historia logra conectar con ellado más íntimo de nuestro corazón.

Un guión superlativo y unas escenas y momentos para el recuerdo que penetran y juegan con nuestras emociones,son su principal baza, resultando casi imposible no emocionarse con el personaje de Merrick y su constante lucha contra la sociedad. Y es que esta obra centra su crítica en muchos aspectos de nuestra naturaleza, pero antetodo critica al conjunto de la sociedad en general, la cual humilla, discrimina y manipula a todas las personas que sean distintas de la regla general. También es un retrato de lo más profundo del alma humana. John Merrick es un personaje que pasará a la historia del cine, demostrando que las apariencias engañan, y es que pese a ser un ser abominable en apariencia, su interior esconde un corazón repleto de buenas intenciones y sentimientos pese al daño sufrido, y además es un hombre culto e inteligente al cual le encanta disfrutar de una compañía agradable, tal y como describe su mejor amigo, el doctor Treves.

Este criterio es aplicable de forma inversa a otras personas de su entorno, que sacan a relucir lo negativo de la naturaleza humana, una discriminación y odio injustificables que canalizan en contra de Merrick, del cual todo el mundo se ríe y burla o aparta de él debido a su aspecto. Una historia clásica que saca a relucir el lado más crítico de Lynch, un alegato brutal en contra de una sociedad autodestructiva y una metáfora bien representada de que el exterior no lo es todo.

El ritmo de la película no decae en ningún momento, y nos deja escenas que nos dejan el corazón en un puño, deseando antetodo el bien de Merrick, un personaje que no olvidaremos y que con su casi inapreciable sonrisa nos envuelve en su historia, una historia de tormentos, abusos y humillaciones de las cuales intenta escapar, con una escena final que terminará por emocionarnos.

Un Jonh Hurt que capta a la perfección el personaje y un Hopkins electrizante que cauitva en cada plano nos guiarán por este drama único e inigualable que atesora las mayores virtudes de Lynch. Nuevamente apuesta por el blanco y el negro para resaltar lo oscuro de la trama, y logra sumergirnos en un decadente hospital, en la habitación de Merrick (donde realmente se muestra cómo es)o en los distintos lugares de pesadilla donde Merrick es el blanco de todas las miradas y críticas.

Una historia muy real, una crítica feroz, y una dirección compusieron un film que se graba a fuego en nuestras memorias, Lynch se encumbra con una película que sólo él pudo rodar.

Nota media en IMDB –> 8,4
Nota media en Filmaffinity –> 8,2

* Dune (1985)

TÍTULO ORIGINAL Dune
AÑO 1984
DURACIÓN 145 min.
GUIÓN David Lynch (Novela: Frank Herbert)
MÚSICA Brian Eno & Daniel Lanois
FOTOGRAFÍA Freddie Francis
REPARTO Kyle MacLachlan, Sting, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Brad Dourif, José Ferrer, Kenneth McMillan, Linda Hunt, Max von Sydow, Silvana Mangano, Freddie Jones, Dean Stockwell, Sean Young, Virginia Madsen
PRODUCTORA Universal Pictures. Productor: Raffaella De Laurentiis

La saga Dune es una obra de sci-fi conocida mundialmente, escrita originalmente por Frank Herbert y en tiempos posteriores retomada por su hijo y un compañero, ocupa un puesto de honor en las mejores novelas de sci-fi. La trama del 1º libro narra los acontecimientos que se desarrollan en Dune, un planeta árido y de climatología extrema donde la Casa Real de los Atreides (una de las tantas casas reales que forman el Consejo) se asienta. Sin embargo, la Casa de los Harkonnen, liderada por el Barón Harkonnen, desea también dominar y controlar dicho planeta ya que éste es el único que posee reservas de especia, un material que es empleado como droga y como única alternativa para poder realizar viajes interestelares.

Asi pués, la Casa Harkonnen, con la inestimable colaboración del Emperador (máximo poder político) deciden realizar una invasión a gran escala sobre Dune para destruir a los Atreides y controlar el suministro de especia. Tras la invasión, el Duque Leto de Atreides y la mayoría de tropas y consejeros de la Casa Atreides son capturados y ejecutados, a excepción de unos pocos, entre los cuales se encuentran la esposa del Duque y el hijo del mismo, Paul, el cual intentará reunificar a las tropas y plantar cara a los Harkonennen y tropas Imperiales. Paul irá descubriendo que alberga un gran poder, a la vez que se percata de que para su venganza necesitará la ayuda de los introvertidos Fremen, un pueblo nómada indígena con costumbres y ritos muy marcados que conocen y veneran a Dune desde tiempos inmemoriables…

Este es el comienzo y sinopsis a grandes rasgos tanto de la novela como de la película en cuestión. El argumento de Dune siempre fue muy apto para una adaptación cinematográfica, y Lynch se percató del enorme potencial de aquella historia, además tras el éxito mundial de taquilla y crítica que supuso Alien, y teniendo en cuenta que era una época muy inclinada por la fantasía (posteriormenete se estrenarían Enenemigo Mío, Brasil o Blade Runner entre otras) el panorama no podía ser más favorable.

Y llegó el ansiado día de su estreno, con un presupuesto holgado y con grandes expectativas depositadas en ella, Dune se presentó ante crítica y público como un film de ciencia ficción basado en el universo literario que por aquel entonces imperaba en todas las estanterias. Sin embargo, Dune supuso un fiasco sonado, y recibió numerosas críticas negativas tanto de público como de crítica, además de que su recaudación tampoco fue buena (algo similar ocurrió con Blade Runner, pero la calidad superior de este film hizo que con el tiempo se convirtiera en un clásico de la ciencia ficción en el cine).

Dune era un producto que calcaba e imitaba en muchos aspectos de la novela, su historia y escenarios fueron llevados a la gran pantalla de manera fideligna, sin ningún cambio en la historia ni en el guión. Además, el film recreaba de manera notable los entornos descritos en la novela, los decorados seguían a la perfección lo descrito en el libro y los personajes y

su atrezzo estaban perfectamente caracterizados y calcados, con lo cual en el aspecto visual la versión cinematográfica recreaba con gran acierto y belleza todo lo visto en el Dune literario.

Lo mismo ocurrió en término argumentales y de guión, la trama , diálogos y escenas de la película también estaban sacadas tal cuales del libro, Lynch sólo tocó nimiedades y pequeños momentos, pero por lo demás a nivel argumental seguía la niovela al pie de la letra. Esto supuso un acierto, ya que a Lynch le atrajo la idea de Dune tal cual era, y según su criterio no era necesario cambiar nada, lo cual fue un acierto teniendo en cuenta que el libro es una auténtica obra maestra del género.

Entonces ¿por qué Dune fue tan criticada en su día? Bien es cierto que la esencia de la novela permaneció intacta, y también es cierto que el presupuesto dio como resultado unos efectos visuales rompedores y una selección de actores idónea. Teniendo estas ventajas, Lynch sólo tenía que desplegar su talento como director e imprimir su sello personal para aupar al film a obra de culto, y lo hizo y es más, de haberlo hecho todo como él deseo hoy día Dune pelearía con Blade Runner como mejor película de sci-fi de la época.

El motivo del batacazo crítico fue que el producto final que se mostró al público de Dune no es sino una película que se basa en en una sucesión de escenas superpuestas una sobre otra, debido a los numerosos recortes de material, Dune perdió toda su esencia, y parecía más un conjunto de videoclips que adaptaban momentos de la novela en vez de un todo que formaba la película.

Y es que la versión íntegra de Dune aprobada por Lynch era una cinta de aproximadamente 5 horas donde sí se recogía toda la historia de la novela, ese auténtico metraje no contenía brutales recortes de guión y de escenas, y contaba la historia de manera íntegra y clara (no como en la versión vista en cines, que salvo que leyeras la novela te enterabas de la mitad de las cosas). La idea de Lynch fue proyectarla tal cual, o como mucho dividirla en dos partes, sin embargo, los productores, el señor y señora Laurentiis decidieron que era necesarior recortar el material para ver si pillaban beneficios, conviertiendo al film en un buen producto pero totalmente inconexo.

Nota en IMDB –> 6,5
Nota en Filmaffinity –> 6,4

* Terciopelo Azul (1986)


TÍTULO ORIGINAL Blue Velvet
AÑO 1986
DURACIÓN 120 min.
GUIÓN David Lynch
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Frederick Elmes
REPARTO Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dean Stockwell, George Dickerson, Jack Nance
PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer

Terciopelo Azul supuso la oportunidad de redención de Lynch tras el sonoro fracaso de de Dune. Y esta oportunidad fue magníficamente aprovechada por el realizador para crear una de las películas más intrigantes que reinventó el género del cine negro mezclándolo con el inconfundible estilo de Lynch. Terciopelo azul supone un ejercicio de estilo del maestro Lynch, que crea una trama densa y compleja a partir de un hecho sin relevancia alguna para convertirlo en una historia de enredos y enigmas que afecta a más personas y lugares que se puedan imaginar.

El film es protagonizado por Jeffrey Beaumont, un joven que visita un día decide visitar al hospital a su padre. A la salida del hospital Jeffrey se topa con una oreja humana, y decide presentarse en la Comisaría para entregársela al agente más cercano. Sin embargo, a partir de este punto de partida se desarrollará una trama de crímenes por resolver, enigmasy asuntos turbios que nos envolverán desde el primer momento, Lynch crea un argumento perfecto para mantenernos pegados a la pantalla sin olvidar sus metáforas y misterios ocultos que nosotros mismos deberemos de intentar explicar.

Desde el momento de su estreno, Terciopelo azul cautivó a crítica y público por su guión enrevesado y por su estilo y aroma inconfundibles, un clásico del cine moderno que todos deberíamos de ver, con claras reminisciencias del cine de Buñuel, Lynch vuelve a salirse de la norma general sorprendiéndose a si mismo con una película que dista mucho de sus primeros trabajos, en un género poco dado en él, pero donde demuestra que se desenvuelve a las mil maravillas.

Nota en IMDB –> 7,8
Nota en Filmaffinity –> 7,5


* Corazón Salvaje (1990)

TÍTULO ORIGINAL Wild at Heart
AÑO 1990
DURACIÓN 125 min.
GUIÓN David Lynch
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Frederick Elmes
REPARTO Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, John Nance, Crispin Glover, Diane Ladd, Isabella Rossellini, Harry Dean Stanton, J.E. Freeman, Calvin Lockhart, Sherilyn Fenn, David Patrick Kelly, Freddie Jones, Pruitt Taylor Vince, Frances Bay
PRODUCTORA PolyGram Filmed Entertainment / Propaganda Films

Corazón Salvaje es el film con el cual Lynch inicia sus peripecias por los años 90, unos años cinéfilamente inferiores a los magníficos años 80 y a los grandes 70. Corazón Salvaje cuenta la historia de Sailor, un preso que sale de la cárcel con un permiso carcelario en busca de su esposa Lula, tras su encuentro deciden huir a California, pero la madre de Lula se opone a dicho plan (básicamente poruqe asesinó a su marido en presencia de Sailor) y contrata a un asesino a sueldo que seguirá a la pareja por medio país.

Nota en IMDB –> 7,1
Nota en Filmaffinity –> 7,1

* Twin Peaks (1990)

TÍTULO ORIGINAL Twin Peaks
AÑO 1990
DURACIÓN 113 min.
GUIÓN David Lynch & Mark Frost
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Ron García
REPARTO Kyle MacLachlan, Michael Ontkean, Piper Laurie, Joan Chen, Lara Flynn Boyle, Dana Ashbrook, Sherilyn Fenn, Warren Frost, Troy Evans, Peggy Lipton, Jack Nance, Russ Tamblyn, Sheryl Lee, Mädchen Amick, Everett McGill, Ray Wise
PRODUCTORA Lynch Entertainment / Worldvision

Tras el éxito de crítica que suspuso Corazón Salvaje y con una posición de privilegio en la industria del cine de aquellos años que le permitió granjearse una más que merecida fama entre crítica y público, Lynch decidió lanzarse al mundo de la TV de manera definitiva (previamente ya lo había hecho antes, pero el apartado de series ocupará un lugar mucho más reducido) y lo hizo con una serie que marcó un antes y un después en la TV. La serie en cuestión tomaba influencias de todas las obras anteriores de Lynchy las elevaba al cuadrado, además el director contó con la inestimable ayuda de Mark Frost, una de las figuaras más relevantes del panorama televisivo americano.

La serie constó de un apoteósico Capítulo piloto y 13 capítulos distintos que tejían una de las historias más apasionantes vistas en la pequeña pantalla. Hablar y desglosar cada capítulo me llevaría varias entradas analizando los componentes de la trama y detallando cada parte que constituye el enigma, asi que haré un comentario breve y muy general sobre el episodio piloto.

La primera duda que nos asalta sobre Twin Peaks es si en realidad se trata de una película o de una serie de TV, Lynch grabó 13 capítulos, pero no dejaban de constituir un todo común , una única historia que profundizaba y sorprendía capítulo a capítulo pero que sólo tenía un hilo argumental, el principal. Lynch tomó el formato de serie, pero no sería para nada descabellado afirmar que se trata de una película de larga duración partida en fragmentos, dado que la trama es la misma tanto en el 1º capítulo como en el último (no como ocurre en las series normales como House, Bones o X series)

Dejando a un lado esta divagación, Twin Peaks puede considerar como una serie pionera y única que marcó y creó el camino para que las actuales series sean como son ahora mismo, dado que es innegable la influencia de ésta en obras posteriores como Expediente X o sin irme más lejos la mundialmente idolatrada Lost, ambas comparten y heredan muchos rasgos de Twin Peaks, el baluarte de la serie moderna por asi decirlo. Hoy día está considerada obra de referencia y de culto.

Lo que hizo especial a Twin Peaks es fruto nuevamente de esa mente pródiga que tiene Lynch, su historia de misterio y homicidios apasionante y enrevesada como si sola que nos deja enganchados hasta su conclusión, su sublime ambientación y contexto, transportándonos a un tranquilo pueblo de la América profunda donde sus habitantes son más de lo que parecen y su poderío visual (escenas e imágenes impactantes y atrevidas y unas interpretaciones de gran nivel) confirieron a Twin Peaks el inalienable derecho de serie de culto y probablemente obra maestra de la pequeña pantalla.

Y es que nuevamente Lynch teje una trama profunda y aborbente, con diálogos y escenas puramente lynchnianos que narran un misterio sin resolver donde todo (inluido las personas) esconde un misterio oculto dentro de si.

Una historia de misterio e intriga bien narrada y mejor llevada que nos engañará de manera constante y que nos mantendrá pegados a la TV hasta su increíble desenlace. La historia gira en torno al presunto asesinato de Laura Palmer, una joven adolescente que residía en lelidílico pueblo de Twin Peaks. El agente Cooper del FBI es designado para la investigación, y una vez en el pueblo deberá resolver el caso de la joven en un entorno de apariencia tranquila que oculta más de lo que parece.

¿Quién asesinó a Laura Palmer?

Nota de media en IMDB –> 9,4
Nota media en Filmaffinity –> 7,8

* Carretera Perdida (1997)

TÍTULO ORIGINAL Lost Highway
AÑO 1997
DURACIÓN 134 min.
GUIÓN David Lynch, Barry Gifford
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Peter Deming
REPARTO Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty, Robert Blake, Natasha Gregson Wagner, Jack Nance, Richard Pryor, Gary Busey, Robert Loggia
PRODUCTORA Ciby 2000

¿Quién mejor para hablar sobre la película que el propio Zerael? En su Top 10 hallaréis una breve reseña y luego también podéis ver otra opinión suya en una colaboración para Racoon Hill.

Nota de media en IMDB –> 7,5
Nota de media en Filmaffinity –>7,5

* Mullholland Drive (2001)

TÍTULO ORIGINAL Mulholland Drive
AÑO 2001
DURACIÓN 147 min.
GUIÓN David Lynch
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Peter Deming
REPARTO Justin Theroux, Naomi Watts, Laura Elena Harring, Ann Miller, Robert Forster, Brent Priscoe, Jeannie Bates, Melissa George
PRODUCTORA Coproducción USA-Francia; Les Films Alain Sarde / Asymetrical Production

Betty es una joven que prepara sus estudios para ser actriz, y decide mudarse a Los Ángeles, yendose a casa de su tía. En dicha casa también convive Rita, otra joven que perdió la memoria en un accidente. Betty, intrigada y a la vez fascinada por tal suceso, decidirá investigar junto con Rita quién es en realidad…

A continuación transcribo íntegramente la reseña que Zerael le dedicó en su blog (no he perdido permiso para copy-pastear pero supongo que esta me la pasas por ser tu regalo ¿no? xD):

"" Soy consciente de que mucha gente considera que Lynch tiene otras grandes películas que merecen más reconocimiento que Mulholland Drive, y de que su estilo críptico y pretencioso es desconcertante…pero la verdad, me da igual.

Tan extraña y enigmática como Carretera perdida, su argumento es algo más conciso y completo -que no comprensible-. Mulholland drive es más emotiva, mucho más cercana con el lado oscuro de las relaciones humanas -sobre todo, del amor-, y no tanto con el despiporre visceral de los tejemanejes mafiosos que se intuyen en Terciopelo azul o Carretera perdida.

A pesar de contar con varias historias paralelas, la importancia recae sobre todo en la pareja formada por Naomi Watts y Laura Helena Harring. Interpretan a dos jóvenes unidas por extrañas circunstancias: Betty, una actriz debutante, y Rita, una desconocida con amnesia y asuntos turbios con la mafia. Recién llegada a la meca del cine, con la intención de forjarse un futuro, Betty se instala en casa de su tía, que amablemente le cede su hogar mientras logra hacerse hueco en el cruel mundillo del cine. Allí se encontrará con Rita, una mujer asustadiza y vulnerable con la que establece una relación muy íntima en pocos días. Juntas, tratarán de averiguar algo sobre su pasado.

Un misterio filmado con maestría y con una actuación de proporciones épicas; no en vano, Naomi Watts saltó al estrellato gracias a la interpretación de un personaje tan jodidamente complejo como el de Betty. Con dos cambios de registro radicales, y continuas situaciones surrealistas, la rubia australiana mantiene el tipo con una habilidad impresionante.

Prácticamente cada escena me parece digna de ser recordada. Desde el comienzo, de una cursilería y optimismo desconcertantes, hasta el final, pasando por su progresiva degeneración hacia la cruda realidad. Una película extraña, que le ha valido todo tipo de críticas al director americano, y que desafortunadamente no se ha mantenido en la fallida Inland Empire. Vedla entera antes de juzgarla.""

Nota de media en IMDB –> 8
Nota de media en Filmaffinity –>
7,1

* Una historia verdadera (1999)

TÍTULO ORIGINAL The Straight Story
AÑO 1999
DURACIÓN 111 min.
GUIÓN John Roach & Mary Sweeney
MÚSICA Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA Freddie Francis
REPARTO Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley
PRODUCTORA Coproducción USA-Francia; Le Studio Canal+ / Les Films Alain Sarde / Picture Factory & Film Four

Antes mencioné que Mulholland Drive y El Hombre elefante me parecían los films más redondos de David Lynch, y no incluí esta cinta. El hecho de no incluirla no se debe a su calidad ni a que la considere inferior, todo lo contrario, Una historia verdadera tiene el honor de figurar junto con El Hombre elefante y Mulholland Drive en mi hipotético top cinéfilo, no la incluyo porque es un film radicalmente distinto al resto de obras de Lynch, tanto que si la ves sin saber quién la ha dirigido jamás deducirías que fue Lynch de no ser un gran fan suyo.

Y es que esta película supone un punto y aparte en la filmografía de Lynch, ya que se aleja y rompe totalmente con el estilo narrativo y visual de todos sus films. Una historia verdadera narra la historia de Alvin, un anciano que reside en un tranquilo pueblo de Iowa en compañía de su hija discapacitada, Rose Alvin tiene 73 años, es un fumador empedernido y no se preocupa ni por su alimentación ni por sus hábitos. Tiene un efisema, problemas de cadera y un claro deterioro en la vista. Decide acudir a regañadientes al médico, el cual le recomienda que empiece a cuidarse más y que deje de fumar para evitar una muerte próxima, sin embargo Alvin hace caso omiso de tales indicaciones.

Mientras tanto, recibe un mensaje, el cual le comunica que su hermano Lyle, con el cual no se habla desee hace diez años, se encunetra en un estado de salud bastante grave. Alvin, valorando la situación, decide viajar para poder reunirse junto con su hermano en Wisconsin, pero como es obvio no podrá conducir un coche, con lo cual decide viajar en una segadora reconvertida en minicaravana, a bordo de la misa emprenderá un viaje inolvidable….

Como habréis podido deducir a estas alturas, el argumento de esta obra nada tiene que ver con el de otras películas de Lynch, al igual que toda la película en si. Una historia verdadera nos plantea una historia sencilla, sin metáforas complicadas,reflexiones profundas, símbolos de difícil interpretación o trama densa y misteriosa. Es todo lo contrario, un relato sin ningún artificio, directo e íntimo, que conecta con el espectador de manera sincera desde el minuto uno. Una película en la cual Lynch se expresa como nunca antes lo había hecho, de manera comprensible y prosaica, narrando unos hechos que pueden ser reales de la manera más sencilla, estableciendo entre el espectador y la pantalla un vínculo de profunda empatía.

Una historia verdadera es el film más sencillo y corriente pero a la vez más conmovedor de toda la filmografía de Lynch, y es que el director logra emocionarnos y sacarnos una sonrisa con una historia común atípica en él. Pese a ello, la sencillez del guión no quiere decir que este sea negativo, todo lo contrario, el guión se antoja perfecto para lo que hay que narrar verdaderamente, no se requieren hojas de guión para expresar todo lo que Lynch ha hecho en esta película.

Y es que el guión se adapta al personaje, y no al revés, y en todo momento resulta creíble y verosímil, lo real y humanista de la película es su principal virtud, ya que es imposible no ver en Alvin a algún familiar cercano que de manera constante nos da lecciones a través de su experiencia, la empatía y cercanía caracterizan el film, y es que esta obra es Una historia verdadera.

A través del fascinante viaje de Alvin, el cual nos enternece con su pequeña segadora mientras recorre parajes rurales de gran belleza perfectamente plasmados en cámara, Lynch nos muestra situaciones y pequeñas historias en las cual Alvin es el protagonista. El papel de Alvin es primordial, él desencadenará múltiples encuentros con personas que le acogen durante su marcha, y en estos encuentros siempre hay un trasfondo y un problema que ronda en el círculo de quienes acogen al anciano. Y entonces se podrá en marcha la metáfora principal del film, será Alvin, quien a través de la Voz de la Experiencia, la cual le ha sido dada por años de una vida intensa y plena, solucionará dichos problemas, y los solucionará dando una lección de moral y ética ante cada situación.

La Experiencia , la plenitud y sabiduría de quien vive la vida plenamente es encarnada por Alvin, el cual aleccionará y dará ejemplo a través de sus testimonios y vivencias. Una Historia verdadera es una narración con pequeños relatos protagonizados por Alvin de los cuales siempre se sacará una moraleja basada en la experiencia única e intransferible de quien ha gozado de una vida feliz. Una estructura narrativa donde Alvin es un Pepito Grillo cascarrabias y gruñón consigo mismo pero que alberga un gran corazón siempre dispuesto a dar y enseñar.

Con esta película Lynch rompe con su estilo, un film único, precioso, cautivador, que emociona y enseña a partes iguales, una historia conmovedora sobre un personaje entrañable que se nos quedará grabado en la cabeza. Una historia verdadera es un alegato a favor de la vida, a favor del valor del perdón , ya que saber perdonar para seguir siendo felices es una de nuestras mayores virtudes.

Nota de media en IMDB –> 8
Nota de media en Filmaffinity –> 7,9

* Inland Empire

TÍTULO ORIGINAL Inland Empire
AÑO 2006
DURACIÓN 176 min.
GUIÓN David Lynch
MÚSICA David Lynch
FOTOGRAFÍA David Lynch, Odd Geir Sæther
REPARTO Laura Dern, Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton, Jan Hencz, Ian Abercrombie, Julia Ormond, Scott Coffey, Grace Zabriskie, Bellina Logan, Amanda Foreman, Karolina Gruszka, Diane Ladd

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Antes comenté que no iba a pararme en el trabajo televisivo de Lynch con la excepción de Twin Peaks, básicamente porque salvo esta excepción el resto de sus trabajos televisivos (salvando Rabbits y Hotel Room) han tenido una menor repercusión y no son vitales para su trayectoria fílmica. Aún así no está de más mentarlos, por si alguno no los conocía y desea ojearlos. Son los siguientes:

* Industrial Symphony No. 1 (1990) 50 Minutos –> Narra la historia de una mujer recién separada de su novio la cual se dedica a cantar canciones obre el amor.

* Hotel Room (1993) 30 Minutos –> Miniserie de 3 episodios que cuenta las historias acontecidas a los clienstes de una habitación de un hotel entre los años 1926 y 33 y los misterios ocultos que alberga dicha estancia.

* Rabbits (2002)
50 Minutos –> Proyecto experimental de Lynch dividido en 8 capítulos protagonizado por 3 personas disfrazadas de conejo situadas en una habitación destartalada y ruinosa. Muestra a través de una sola cámara algunos diálogos oscuros y misteriosos o simplemtne los movimientos de dichos personajes (parte de este material fue empleado en Inland Empire)

* The Shorts films of David Lynch (2002) 97 Minutos –> Recopilación de los primeros cortos de David Lynch (colgados en esta entrada) más otros 3 inéditos que muestran la auténtica personalidad del director , todos los cortos incluyen una breve explicación del propio Lynch.

* Dumbland (2002)
35 minutos –> Serie flash de ocho capítulos de duración que según el propio Lynch es cruda, estúpida, violenta y absurda.

> B.S.O

Tras el montón de texto crítico y descriptivo sobre la filmografía de Lynch, he querido realizar esta peuqeña selección de temas musicales de algunas de sus obras. Bien sabéis que la música no es mi punto fuerte, pero es innegable que parte del potencial expresivo del cine de Lynch proviene de la música que escoge para acompañar sus films, y es que, al igual que el resto de apartados, las B.S.O de las obras de Lynch también destilan ese aire de misterio y extraña personalidad que acompaña a todas sus películas. Os recomiendo muy encarecidamente que las escuchéis, algunas piezas son de una belleza considerable. Me dejo muchos grandes temas en el tintero, pero he preferido poner los más significativos.

De todas formas, si alguno de vosotros quiere incluir alguno más para engordar la lista estaría encantado de añadirlo.

Asi que, sin más, os dejo con esta humilde selección de temas que a muchos se nos han quedado grabados:

* In Heaven – Cabeza Borradora

* Main Theme – El Hombre elefante

* Main Theme OST – Dune

* Opening – Twin Peaks

* I´m Deranged – Carretera Perdida

* Laurens Walking – Una historia verdadera

* Laurens, Iowa – Una historia verdadera

* Love Theme – Mulholland Drive

* Ghost of Love – Inland Empire

* Rubber City – Corazón Salvaje


Hasta aquí este breve repaso a la figura de ese director y artista tan grande y con esa personalidad tan enigmática que es David Lynch. He de reconocer que he disfrutado como un enano con la redacción de esta entrada, dado que la he escrito con gusto y con la ilusión de que este humilde obsequio sea del agrado de mi amigo invisible, Zerael, ganas y espíritu no le han faltado a la entrada, es un Homenaje a David Lynch y a la vez a Zerael por deleitarnos con un blog tan personal y de tanta calidad como es La Ciudad Olvidada.

Debo excusarme por no haber hablado sobre films como Mulholland Drive, Carretera Perdida o Inland Empire pero debido a un fallo técnico perdí todo lo que había escrito sobre dichas películas y tuve que hacer un apaño improvisado. Bien es cierto que podría haber reescrito todo el texto perdido, pero la redacción de esta entrada se ha realizado a contrarreloj debido a que mi tiempo ha sido escas, pero sobretodo se debe a que en breve tendré que realizar un viaje que no me permitirá pasarme por aquí y mucho menos escribir, con lo cual he andado algo apurado y me he dejado muchas cosas en el tintero que espero ir añadiendo en forma de críticas individuales y mini-reportajes para terminar de completar esta entrada.

Pese a esto, espero que esta entrada haya sido de vuestro agrado y os haya divertido a la vez que ilustrado, tal y como ha hecho conmigo. Y también deseo que guste a Zerael, que para eso él es el destinatario del regalo (Nota mental: Morgennes ¿por qué has hecho una entrada más larga de lo normal? Ahora es probable que te demanden nuevas entregas sobre otros directores y tendrás que satisfacer sus necesidades * Morgennes exclama un sonoro Ouch *

Un saludo y espero que hayáis disfrutado de este humilde homenaje a esa inmensa figura cinematográfica que es Lynch

100 000 visitas y Navidad. Gracias…

La entrada de hoy tiene una carácter muy especial para mí, y es que el blog está de fiesta, lo 1º que se festeja es como bien sabéis todos, la llegada del Período Navideño y del Año Nuevo, concretamente el año 2010 (faltan dos años para redimiros) y como ya es costumbre, quisiera felicitaros a todos los lectores de este humilde blog. Y por otro lado festejo las 100 000 visitas ya pasadas del blog, hubiera deseado realizar la entrada antes, pero de este modo lo hago más a lo grande.

Recuerdo la entrada que realicé el año pasado, sin duda más inspirada que esta, en ella ya enumeraba las muchas virtudes que esta Comunidad y sus integrantes me habían reportado, y el discurso de este año es el mismo pero elevado a un grado superior. Voy a intentar no repetirme (como de costumbre) pero es inevitable no recurrir a un amplio glosario de calificativos positivos para dirigirme a cada individuo que se esconde detrás de la pantalla que muestra estas líneas. Me dirijo a vosotros, estimados lectores, a la persona y no al nick.

Decir que Gamefilia es una Comunidad donde habitan personas maravillosas y siempre dispuestas es un topicazo,pero también es quedarse corto para referirse a algunos de los bloggers que me han transmitido su apoyo y amistad desde que decidí abrir este blog, Terminus, hace más de año y medio. Y es que año y medio en Internet es mucho tiempo, y probablemente este blog habría caído en el pozo del olvido del que suscribe de no haber sido por el inesperado interés de muchos de vosotros a cada entrada que realizaba, y por vuestros ánimos para sacar adelante cierta Comunidad, pero sobretodo y antetodo, os doy las gracias por ofrecerme vuestra amistad y cooperación para que este maltrecho y desactualizado blog y Gamefilia hayan moldeado y fabricado una de las experiencia más gratificantes y beneficiosas de toda mi vida.

Bien sabéis que no soy una persona excesivamente calurosa y efusiva en su trato con los demás, quizá por mi personalidad o quizá por mi situación geográfica (no tengo ese arte y simpatía que desprenden los isleños Electroblog, Logan o Banke) pero aunque os cueste imagináoslo a este servidor le habéis levantado la moral y los ánimos en esos momentos más oscuros bien sea con vuestras entradas o con la calidez de vuestros mensajes en forma de apoyo, y en los momentos alegres me habés regalado experiencias tan intensas y ricas en sentimientos que ni Roy Batty hubiera pudido expresar en aquella escena legendaria de Blade Runner.

Las experiencias y emociones que me habés transmitido este año no se perderá como lágrimas en la lluvia, no tendrán una fecha límite en mi memoria, estas experiencias y emociones vividas prevalecerán y formarán parte de mí incluso cuando todo se desmorone a mi alrededor, porque cuando la oscuridad aceche en lo más profundo de mi corazón, siempre habrá una paloma de intenso color blanco de nombre Gamefilia que sobrevolará mi cabeza y me evocará momentos de plena y gozosa felicidad.

Probablemente este alegato pro amistad y felicidad de fuerte cursilería y carga emocional se pierda en el abismo insondable de Internet, al igual que este blog, pero como ya he dicho, vosotros ya formáis parte activa de una memoria histórica personal que guardaré celosamente. Soy una persona quizá algo crítica con nuestra más que imperfecta naturaleza, la cual nos lleva en ocasiones por caminos que ninguna ética ni filosofía pueden definir con su herramienta racional, pero la amistad y el compañerismo son de esos dones en peligro de extinción que en esta sociedad movida por el interés personal escasean. Este tesoro que he hallado lo cerraré y protegeré con el candado que mi humanidad me ha dado.

Sois algo grande, aunque no conozca en profundidad a muchos de vosotros, decir ahora que agradezco vuestras visitas y comentarios suena frívolo, pero es así, tal y como he reflejado, la pereza y desgana de Morgennes es tal que este blog ya llevaría mucho tiempo olvidado y su creador desaparecido de no haber sido gracias a vosotros. Soy consciente de que muchos que empezaron al mismo tiempo que yo e incluso despúes me lleváis muchas visitas más, pero también soy consciente de que muchos tienen más de 150 entradas, cuando mi contador apenas marca 70 en año y medio, es por eso por lo que estoy agradecido, ya que sin daros nada positivo ni actualizando me animáis y visitáis por vuestra cuenta, y eso me averguenza y alegra a partes iguales. Creo que no es necesario otra lista más de agradecimientos, la mayoría de vosotros ya sabéis cuanto os aprecio y os doy las gracias (mención especial a Logan por su doble regalo, una compañera que me ayude a empaquetar Very Surprised (emoticono used by xuloputas) y un diseño que al muy se le ocurre la idea después de meses y meses xD se agradece el gesto ^^)

Asi pues, nunca podré devolveros todo lo que le habéis reportado a este humilde, cansino,vago, verborrético agudo y pedante servidor.Gracias por vuestro apoyo diario, y por vuestros ánimos. Podría extenderme más, pero creo que este discurso aburrido lo refleja todo. Huelga decir que os deseo a todos unas muy Felices Fiestas y un Año Nuevo que colme vuestras expectativas personales y profesionales ¡¡ Felices Fiestas compañeros Gamefiliano !!

P.D: Mi falta de actividad se debe a cierta entrada homenaje que pronto veréis…






¡¡ F E L I C E S F I E S T A S !!

Neverwinter Nights 2: Mask of the Betrayer por Zerael

Durante muchísimos años, fui un ávido jugador de JRPGs. Las fantasías roleras (finales o no) tejidas por los orientales isleños, consumían la práctica totalidad de mi tiempo videojueguil. En esta vorágine que me llevó a recorrer multitud de sagas y estilos jugables, no podía evitar mirar con recelo a los principales representantes del rol occidental; las franquicias de Dungeons and Dragons, con Baldur’s Gate a la cabeza, me parecían experiencias vacías y carentes del encanto japonés. Las supuestas virtudes que sus defensores les pintaban, a mí me resultaban incomprensibles –libertad de acción, flexibilidad en la creación del héroe principal, argumento no lineal, sistemas de batalla en tiempo real, etc–.

Así pues, pasó mucho tiempo antes de que volviera a darles una oportunidad a los chicos de Bioware. Hará unos tres años (lo recuerdo muy bien, puesto que acompañaba a un amigo a hacer una de las compras más estúpidas de la historia de la humanidad; los detalles de esta batallita vienen gratis cuando se me invita a cualquier tipo de cerveza), vi casualmente un pack que contenía el primer Neverwinter Nigths y sus dos expansiones oficiales. La verdad, no sé si fue por su ridículo precio (10 euros), o porque era el último mono en una estantería llena de novedades de última generación… pero el caso es que me lo llevé a casa. Y a partir de entonces mi visión sobre el rol occidental para ordenador cambió radicalmente: completé toda la saga… y empecé a valorar las virtudes que anteriormente me parecían tan difusas.

Con todo, los años no habían pasado en balde; el primer Neverwinter tenía un motor gráfico muy resultón pero terriblemente arcaico. Por circunstancias que no vienen al caso, tardé bastante en adquirir la continuación, así que me contentaba con imaginar que desde Obsidian se habían dedicado a hacer un lavado de cara magistral al sistema de juego planteado por el original (más o menos, así lo señalaban los análisis).

Cuando por fin compré y completé Neverwinter Nights 2, me llevé una relativa decepción… relativa porque la jugabilidad, a grandes rasgos, se mantenía, pero obviaba algunas señas de identidad de su antecesor; porque a pesar de tener un motor gráfico a años luz de la primera parte, llevaba a cabo excesos absurdos que le restaban solidez; y sobre todo, porque la campaña principal era un ejemplo canónico de “pudo ser y no fue”.

Muchas cosas que se echaban de menos en la caída de Lady Aribeth se encuentran en la nueva aventura de Obsidian: escenas cinemáticas, diálogos más cuidados, guión más trabajado… pero incomprensiblemente, todas las grandes propuestas que plantea al comienzo se desinflan salvajemente a medida que se desarrolla. Y es una verdadera lástima, porque todo cuanto rodea a las premisas de la campaña oficial de Neverwinter Nights 2 rezuma talento… un talento mal aprovechado.

Quizá porque estuvieron atentos a todas estas críticas, o porque tuvieron más tiempo para trabajar en ella, la primera expansión no solo solventa estas deficiencias, sino que se permite el lujo de innovar en un terreno a priori poco dado a la experimentación.

Mask of the Betrayer (MOB) es, sin lugar a dudas, lo que Hordes of the Underdark supuso para el Neverwinter original: una aventura rolera occidental de calidad, a la altura de lo que se esperaba de ella.

Ambientada en las lejanas e inhóspitas tierras de Rashemen, la expansión comienza poco después de que finalice la campaña oficial. Sin saber cómo ni por qué, el protagonista ha sido transportado a un oscuro túmulo habitado por espíritus ancestrales. Lo último que nuestro alter-ego recuerda es la batalla contra el rey de las sombras (el malo malísimo final) y el derrumbamiento del templo en el que tuvo lugar el enfrentamiento.

Debilitado y confuso, imágenes inconexas se suceden en su mente; pero por encima de todo, siente un terrible vacío palpitándole en el pecho. ¿Cómo ha llegado hasta allí? ¿Qué son esos recuerdos difusos que le atormentan? Y lo más preocupante: ¿qué es lo que se agita en su pecho?

Afortunadamente, una misteriosa mujer aparecerá de la nada para arrojar algo de luz a su situación; se trata de una maga roja llamada Safiya. Su madre, la directora de una academia de magia arcana de Thay, le ha ordenado que le escolte hasta la localidad más cercana. Con la promesa de que una vez allí, una amiga de su madre podrá responder a todas sus dudas, nuestro héroe se pondrá en camino. Por delante le espera una lucha encarnizada por su supervivencia… y un viaje que se demostrará más épico y decisivo que nuestras anteriores peripecias.

Los primeros compases del argumento son sencillamente magistrales. La ambientación de Rashemen, un territorio muy alejado de Neverwinter y la Costa de la Espada, es sensacional. Aunque no hay tantas zonas como en el original, los paisajes y sus gentes están mucho más trabajados. Desde el túmulo en el que despertamos hasta la academia de magos rojos de la que proviene Safiya: a pesar de las muchas limitaciones del motor gráfico de Neverwinter Nights 2, los mapas de la expansión rezuman vida por todos sus poros.

Al propio trasfondo cultural (un elemento que siempre suele estar muy cuidado en la saga), se le añade, esta vez sí, un trabajo encomiable en el carácter de nuestros compañeros de viaje. En general, todos los diálogos están más elaborados y ofrecen más posibilidades de conversación que las repetitivas chácharas de Khelgar, Neeshka y la sosainas de Elanee. Aunque en el tramo final pierden algo de fuelle, a lo largo de la partida –gracias a un inspirado sistema de influencias– gozan de una profundidad que ya quisieran para sí otros RPGs de altos vuelos.

Aunque son menos de lo que suele ser habitual, el carisma que desprenden equilibra la balanza. A la mentada maga roja, Safiya, se le unirán Gannayev de los sueños, un chamán espiritual capaz de hablar con los incorpóreos que se deslizan por Rashemen; Kaelyn la paloma, una clérigo rebelde que ha abandonado el culto de Kelemvor a favor de Illmater; y dos compañeros más, excluyentes entre sí, y que prefiero no mencionar para no fastidiar posibles sorpresas.

Una de las ventajas de plantear una campaña para personajes con niveles altos (MOB está pensada para ser completada con el personaje que usamos en la campaña principal), es que sus creadores pueden introducir con naturalidad todo tipo de excentricidades. La compañía de aventureros que formamos es un claro ejemplo de ello. La única que posee un carácter más previsible es la buena de Kaelyn; pero tanto Gannayev como Safiya hacen gala de una complejidad sorprendente. Saber encajar sus disconformidades y ganarse su confianza es uno de los mayores alicientes de la expansión. Una pena que la trama romántica se limite a ellos dos.

Pero por muy interesante que sea todo lo que he comentado hasta ahora, hay un elemento decisivo que trastoca todo el devenir de nuestro viaje, tanto a nivel de historia como jugable. Es una traba argumental impuesta que no gustará a todo el mundo, pero que a mi modo de ver, mejora sustancialmente la experiencia de MOB en todos los frentes: el héroe principal es objeto de una maldición, conocida como “devoraespíritus”. Esto nos obliga a consumir los trazos fantasmales que pululan por las tierras circundantes de forma regular si no queremos morir miserablemente.

Antes de hablar de sus implicaciones jugables, no está de más señalar que nuestra postura frente a la maldición determinará radicalmente el transcurso de la partida. A grandes rasgos, sólo hay dos posibilidades: o nos esforzamos por dominarla, o nos dejamos seducir por sus poderes. De cualquier forma, el “ansia” de consumir espíritus siempre estará presente a partir del segundo capítulo.

Aunque un jugador de D&D experto no tendrá mayores problemas en completarla, lo cierto es que MOB ofrece un reto a tener en cuenta. Puesto que se nos presupone un dominio importante de las artes de repartir tortas, mandobles o hechizos, los enemigos tienen niveles astronómicos. Algunas búsquedas opcionales son ciertamente exigentes. Como siempre, por supuesto, tendremos muchas posibilidades para resolver los conflictos, tanto por la clase de personaje elegida como por la variedad de soluciones implícitas en la campaña –aunque inevitablemente nos tocará pelearnos con frecuencia, muchas veces es perfectamente posible recurrir a la labia en sus múltiples expresiones: diplomacia, engaño e intimidación–.

Pero con toda probabilidad, la maldición del devoraespíritus será la mayor de nuestras preocupaciones. Por lo menos en los primeros compases de la aventura. Una barra de energía inusual hará acto de presencia en cuanto comprendamos la naturaleza de la carga que nos ha tocado soportar. A medida que pase el tiempo, irá reduciéndose, y según alance ciertos niveles, sufriremos importante penalizadores. La velocidad a la que se vacía está determinada por el “ansia”, representada también por otra pequeña barra de energía y que ilustra algo así como el “hambre” de espíritus.

Hasta que logremos dominar cabalmente la maldición y todos sus entresijos (el desarrollo de la historia nos dará múltiples opciones para ello), nos veremos obligados a estar muy atentos a los intervalos de tiempo: acciones tan básicas como descansar o viajar de un emplazamiento a otro pueden ser mortales.

Como he dejado caer antes, creo que la inclusión de la maldición es todo un acierto, porque nos obliga a ver con otros ojos el trillado sistema de peleas de Dungeons & Dragons. Si además le sumamos el sensacional trabajo del resto de elementos jugables, tenemos entre manos uno de los RPGs más inspirados que se hayan desarrollado nunca bajo el estandarte de “Noches de Noyvern”. Quizá los más puristas se sientan traicionados por sus innovaciones, pero estoy seguro de que incluso ellos identificarán los trazos inconfundibles de otras grandes obras del calado de Planescape o Baldur’s gate.

Es una verdadera lástima que tenga algunas lagunas que le alejen de un hipotético olimpo de juegos de rol. Para empezar, el más obvio: MOB es una expansión, y a pesar de que viene con varios personajes listos para ser usados directamente en su aventura, se disfruta mucho más si manejamos a un personaje curtido por nuestra cuenta y riesgo en la campaña original. Y la campaña original de Neverwinter Nights 2 es demasiado mediocre y larga como para ser disfrutada por una gran mayoría. Además, el último capítulo es mucho más flojo que el resto de la expansión; esa sensación de que la historia se desinfla y de que sus personajes han sido desaprovechados vuelve a estar presente… pero afortunadamente es una sensación muy tenue al lado del despropósito anterior.

De cualquier forma, es un videojuego notable. Claramente superior a su antecesor y a la altura de las grandes expansiones de Neverwinter Nights 1. El misterio de su argumento, el carisma de sus personajes, las muchas ramificaciones de la histroria… todo envuelto en un esquema jugable que aunque no sorprenderá a los más duchos en esto de los juegos de rol, puede ser un soplo de aire fresco para todos aquellos que reniegan del RPG occidental.

Antes de terminar, me gustaría señalar el gran trabajo de doblaje que tiene a sus espaldas. Tanto voces como textos están en español. Las conversaciones con nuestros compañeros de viaje tienen gran parte de su encanto debido a la calidad de las interpretaciones. Es el caso de Gannayev, cuya voz pausada pero segura concuerda con su carácter cínico y huidizo; o el de Kaelyn, que recita sus líneas de diálogo con un tono dulce pero resignado. Algunos secundarios circunstanciales emborronan un poco este apartado, pero son muy escasos.

Así pues, os recomendaría encarecidamente que os hicierais con él. Desafortunadamente, el peso de la mediocridad del Neverwinter Nights 2 original me resulta excesivamente problemático. Es irónico que una joya de este calibre esté oculta tras una aventura tan prescindible. Si aun así estáis decididos a jugarla, os aconsejaría que lo completarais por orden; aunque si os resulta demasiado pesado, siempre podéis recurrir a los personajes pregenerados.

Sea como fuere… la tierra de Rashemen aguarda pacientemente vuestra llegada. Los espíritus que la habitan se agitan nerviosos… ¿seréis la causa de su resquemor?


Una colaboración que sólo puedo calificar de espléndida e inspirada,compañero Zerael. El 1º Neverwinter me encantó, y eso que reconozco que pese a gustarme el rol nunca he profundizado demasiado en el mismo, pero su historia acertada, sus personajes bien trazados y diseñados y un esquema jugable adictivo hicieron que disfrutara como un enano.

Neverwinter 2 es inferior, no sé si tanto como tú apuntas en tu análisis, es cierto que ni la historia ni los personajes le llegaban a la altura de los zapatos, pero como bien dices el motor gráfico y su jugabilidad destacaban por encima del resto. Pero la historia que en un principio apuntaba maneras quedaba convertida en algo que por momentos rozaba el despropósito, y los personajes no lograban desprender ese carisma que sí se logró con el 1º.

Un juego notable, pero que se quedó incompresiblemente por detrás, como ya pasó con KOTOR 2 (de Obsidian, y no Bioware) un juego notable pero que pierde mucho con su 1 parte (sobretodo por su historia prescindible por momentos).

Sobre la expansión, pues no he podido probarla, perdí la 2º parte, y no tuve alicientes en su momento para adquirirla ni para rejugar el NN 2, una lástima por lo que has comentado sobre ella, pero nunca es tarde para buscarla.

Una colaboración enorme, bien redactada como de costumbre y muy amena de seguir, un trabajo inspirado y muy bien realiado. Muchas gracias por tus molestias y rapidez, adorador de Excel, y sobretodo por tamaño currele ^^

Al resto, ya estáis taradando en visitar y comentar en su blog , a los que ya lo conozcáis, seguid adorando a Excel mientras podáis en su Templo, la Ciudad Olvidada.